La pintura de paisaje se originó en el arte ruso mucho más tarde que el retrato y la imagen histórica. Sólo en el último cuarto del siglo XVIII entre los artistas rusos se destacó un grupo de maestros, para quienes la imagen de la naturaleza se convirtió en la principal especialidad. En un período inusualmente corto, no más de dos o tres décadas, la pintura de paisajes en Rusia alcanzó un alto nivel artístico y ocupó el lugar que le corresponde entre otros géneros artísticos.
Es notable que las tendencias realistas hayan emergido con gran fuerza en la primera generación de pintores de paisajes rusos. Pero en la etapa inicial del desarrollo de la pintura de paisajes, a fines del siglo XVIII, el deseo de recrear verdaderamente la naturaleza todavía estaba limitado por todo un sistema de técnicas y reglas convencionales que se remontan a los principios generales del arte del clasicismo. La imagen de la naturaleza estaba permitida por la estética clásica solo en la forma de un paisaje “histórico” o decorativo, y la tarea del artista no era tanto la reproducción de la realidad como su idealización.
El paisaje no fue pintado de la vida, pero usando bocetos preliminares, se “compusieron” en el taller, agrupando arbitrariamente una serie de motivos gráficos: montañas, cascadas, arboledas, arboledas, etc., sujetos a una tarea decorativa.
Sobre la base de los diseños clásicos, se desarrolló un esquema para construir un paisaje que básicamente se reducía a lo siguiente: la vista en sí se representaba generalmente en profundidad, en el fondo, y los planos cercanos se construían como escenas teatrales, como si enmarcaran una imagen; el espacio estaba claramente dividido en tres planos paralelos, de los cuales el primero fue designado marrón, el segundo verde y el tercero, el más lejano, azulado; Las transiciones de un plan a otro se delinearon con la ayuda de una perspectiva lineal, cortando objetos que se convirtieron en hitos en la construcción de la profundidad espacial. Las impresiones vivas de la naturaleza obedecerían a este esquema, y las aspiraciones realistas de los artistas rusos encontraron una salida solo en la reproducción veraz de los detalles y detalles del paisaje con la convención general de la imagen en su conjunto.
Los primeros pasos hacia la liberación de la pintura de paisajes a partir de esquemas convencionales se realizaron a fines del siglo XVIII y XIX por los artistas M. Ivanov y F. Alekseev. La finalización de su trabajo cayó en manos del notable pintor Sylvester Shchedrin, quien en los años veinte del siglo XIX elevó la pintura de paisajes rusos a niveles sin precedentes. Shchedrin pasó una escuela académica bajo la supervisión directa de M. Ivanov y en sus años de juventud experimentó la fuerte influencia de la pintura de F. Alekseev.
Los primeros trabajos de Shchedrin, que aún confiaban en general en la tradición clásica, reflejaban los cambios hacia el realismo que caracterizan la pintura paisajística de sus predecesores. Ya en los primeros días de su actividad artística, se retiró de los paisajes “compuestos” y se dirigió a la reproducción directa de la naturaleza real. Pero solo en la década de 1820, después de una profunda ruptura creativa,
Para mejorar su especialidad, Shchedrin en 1818 fue enviado a Italia como jubilado de la Academia de las Artes. Roma fue considerada en aquellos años el centro de arte mundial. Los artistas, en particular los paisajistas, vinieron de toda Europa. Se sintieron atraídos por el glorioso pasado de Italia, su gran arte y su naturaleza cautivadora. Aquí puede reunirse con representantes de todas las tendencias escénicas y escuelas.
En el abigarrado entorno artístico de Roma en ese momento, se creó una atmósfera de rivalidad internacional, una intensa búsqueda pictórica, una intensa lucha entre lo nuevo y lo viejo; Los cimientos reaccionarios de los clásicos se enfrentaron con las tendencias avanzadas del romanticismo, el realismo emergente que se opone a las formas de arte tradicionales. En este reto, Shchedrin, saturado de contradicciones, logró preservar la independencia y la identidad nacional de su trabajo. Shchedrin inmediatamente tomó un lugar prominente en la colonia romana de artistas.
Rápidamente logró el reconocimiento en los círculos más amplios del público artístico. Solo unos pocos podían competir con él en la fuerza del talento y el nivel de habilidad. Los maestros, en el sentido literal de la palabra, no lo encontraron ni en la generación anterior ni en sus compañeros. Pero el estrecho contacto con las nuevas tendencias en la pintura de paisajes fue fructífero para Shchedrin. Absorbió con entusiasmo las abundantes y variadas impresiones artísticas, y su riguroso procesamiento crítico sirvió como un poderoso impulso para el desarrollo de su trabajo.
Junto con los mejores pintores de paisajes de su época, se esforzó por lograr una verdadera transferencia de la naturaleza, por una viva espontaneidad de su percepción, por estudiarla en la naturaleza, pero para lograr estos objetivos siguió su camino original y original. Dominar un método de imagen realista, Shchedrin se alejó del individuo, Estudia analíticamente los detalles del paisaje a una nueva generalización pictórica. Contrastó la convencionalidad decorativa de los paisajes académicos con una reproducción impecablemente precisa de la objetividad material del mundo.
Se asomó al Coliseo y las ruinas de la antigua Roma, mientras un pintor de retratos se asoma al rostro de la persona que representa. Ya esta superación de la decoratividad representó un paso decisivo en el camino hacia el realismo. Aún más fructíferos y significativos fueron los cambios en la actitud hacia la realidad misma, en el contenido y la interpretación de la imagen de la naturaleza.
La pintura “Antigua Roma” fue, en esencia, el último trabajo escrito por Shchedrin con un ojo en la vieja manera académica. De antiguos recuerdos, se dirigió a una modernidad viviente y en la siguiente, en 1825, escribió el cuadro “Nueva Roma”, que se convirtió, por así decirlo, en un programa de su posterior búsqueda artística. A partir de ahora, Shchedrin ya no se siente atraída por la grandeza del pasado, no por la belleza áspera de las ruinas clásicas, sino por la poesía de la realidad, el encanto de la naturaleza,
La imagen tradicional de Roma, como la “ciudad eterna”, el lugar de nacimiento de famosos monumentos de arte y testigos de la gloria pasada de un gran pueblo, da paso a una nueva imagen: la imagen de la Roma moderna y su vida habitual, con barcos de pesca en el Tíber y animados grupos de ciudadanos en el primer plano de la imagen. . Tras superar la tradición del “paisaje heroico” y la comprensión de la naturaleza desarrollada por la Academia de Artes como pretexto para los recuerdos históricos, convirtiéndose en realidad, realidad contemporánea y naturaleza real, Shchedrin también superó el esquema académico convencional de solución artística del tema del paisaje. El nuevo contenido de la imagen llevó a una nueva forma pictórica. “Nueva Roma” marca un punto de inflexión en el desarrollo del trabajo de Shchedrin. Desde mediados de la década de 1820, comienza el período de mayor florecimiento de su talento.
Todo lo más valioso en su patrimonio se crea precisamente en estos años. Sylvester Shchedrin escribió en Italia dos ciudades: Roma y Nápoles. La vida italiana está encarnada en ellos como la mejor, la época principal de la propia existencia del artista y su propio tema en el arte. Los paisajes de Roma son la introducción a la historia, a la alta tradición artística, los paisajes de Nápoles, la introducción a la vida real, variada, descuidada e imprudente. “Nueva Roma” no es una ilustración pintoresca para la historia mundial, pero una ciudad moderna es hermosa porque, naturalmente, combina el gran pasado y el presente con toda su cotidianidad.
La ciudad, que tiene su propia vida única, en la que las personas y sus viviendas, las aguas del Tíber y los barcos en la orilla, las arcadas del puente y el castillo, las nubes en el cielo y la cúpula de la catedral constituyen un todo. Petra en la distancia.
En pintura, todo esto es transmitido por la unidad de iluminación y la unidad tonal de color. Según sus contemporáneos, “este trabajo era tan agradable en Roma que muchos querían tenerlo. El artista… tuvo que repetir este aspecto ocho veces, pero amando el arte y la naturaleza, no quería ser copista de su propio trabajo.
Cada vez que cambiaba el aire y el tono.
Imágenes y así produjeron ocho imágenes, una y la misma clase de representación, igualmente originales “.
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