Cette œuvre a vu le jour lors de la première visite de de Chirico à Paris à l’été 1911, lorsque, présentant son travail au Salon d’automne et au Salon des Indépendants, “il a réussi à surprendre ses confrères habitués à tout et peu surpris, ainsi que le public”. Le motif de la gare fascine alors l’artiste. Cela a suscité inquiétude et inquiétude, rappelant le premier voyage – quitter la Grèce après la mort de son père.
Lors de la création de la toile en nature a servi l’une des gares de Paris près de la place de Rennes. Cependant, il reste peu de la vraie station dans l’image de Chirico. L’œuvre se caractérise par une parfaite simplicité géométrique, qui ne calme pas le spectateur, mais renforce plutôt son anxiété, son anxiété et sa nervosité.
L’artiste utilise hardiment des lignes droites nettes – peut-être influencées par Picasso. L’image ressemble à une illustration de livre ou à une gravure. “Station Montparnasse” fait référence à la période métaphysique de l’artiste. De Chirico incarne en elle ses réflexions sur le temps. Ces pensées se reflètent dans plusieurs contrastes visuels. Le grand arc à gauche est un élément de l’architecture classique. Il s’oppose à la structure occupant la partie centrale de l’image – soit la plate-forme, soit la terrasse, soutenue par des pieux. Ces piliers carrés sont en béton et sont clairement contemporains pour l’auteur. Mais ce n’est pas tout. La fumée strictement verticale d’une cheminée de locomotive à vapeur figée dans un paysage immobile suggère que le temps s’est arrêté. Et les drapeaux sur la tour et dans les profondeurs du paysage flottent au vent.
Un jeu de mots est ajouté à la série graphique – en français, “temps” et “météo” sont des synonymes – “le temps”. L’espace de l’image est divisé en deux parties contrastées, symbolisant deux mondes différents. La composition semble être construite sur deux lignes d’horizon. Un élément de base de l’intérieur, atteignant la base des pieux en béton, est un tas de bananes. Ces deux espaces sont unis par une belle route jaune géométriquement rectiligne, sur laquelle sont visibles deux petites figures humaines.
Mystère et anxiété – de telles sensations créent une multiplicité de points de vue disparaissants. Cette impression est renforcée par une peinture lisse et sèche. Il s’agit de la plus grande œuvre de l’artiste. À un moment donné, elle a fait une telle impression sur Pablo Picasso qu’il a appelé l’auteur “chanteur de station”.
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