La pintura “Madonna en las rocas”, Leonardo da Vinci, comenzó en 1483, y recibió una orden para la pintura del altar de una de las fraternidades religiosas. Las discrepancias con los clientes debido al pago llevaron al hecho de que Leonardo da Vinci dejó el cuadro en casa, completándolo finalmente entre 1490 y 1494 años. El tamaño del cuadro es de 198 x 123 cm, lienzo, madera, óleo. La pintura “Madonna en las rocas” puede considerarse la primera composición monumental de altar del Alto Renacimiento.
En contraste con la “Adoración de los Magos” aquí esta tarea se resuelve por él completamente armado con habilidad madura. La Adoración florentina abundó en una variedad de primeros y segundos planos.
En la pintura del Louvre, el artista representó solo cuatro figuras de primer plano: la Virgen María, el ángel, el niño Jesús y el pequeño Juan el Bautista. Pero, por otro lado, estas imágenes adquirieron las características de la grandeza generalizada; En comparación, los personajes de las primeras obras de Leonard parecen menos significativos. Las imágenes de la “Virgen en las rocas” se pueden llamar idealmente hermosas, pero con la adición obligatoria de que conservan la plenitud de la expresividad de la vida.
En primer lugar, se refiere a la imagen de la propia Madonna, cuyo amor maternal se expresa no solo en el gesto de su mano, al mismo tiempo que bendice y protege a su hijo, sino también en una profunda concentración interna, en esa concentración de sentimiento mental, en comparación con la que parece ingenua. Joven madre en la foto “Madonna con una flor”.
Quattrocento conocía dos tipos predominantes de imágenes en composiciones pictóricas: imágenes estáticas de anticipación solemne o una narración detallada, una historia animada. En el cuadro de Leonard “Madonna en las rocas” no hay ni lo uno ni lo otro. Los personajes están exentos de restricciones, se caracterizan por una completa libertad de movimientos físicos y mentales.
No hay una descripción narrativa claramente expresada del tema; En lugar de fijar claramente un punto específico, Leonardo encontró en el cuadro del Louvre uno de los principios pictóricos más importantes del Alto Renacimiento, que puede definirse como la encarnación de la imagen humana en un estado de existencia armónica, un equilibrio especial de movimientos internos y externos. Este no es un momento único, es un estado peculiar, “duradero”, sin embargo, gratuito.
El entorno de los personajes también se presenta de una manera nueva: una especie de gruta entre rocas extrañas, que se asemejan a gigantescos cristales oscuros en forma, el suelo salpicado de varios colores. Por separado, cada piedra, cada brizna de hierba y flor es la mejor imagen de la naturaleza, evidencia del inmenso conocimiento de geología y botánica de Leonardo da Vinci, pero en general forman un paisaje de carácter casi fantástico. Esto ya no es un fondo, sino un ambiente emocional peculiar que se pone en comunicación activa con imágenes humanas. No es por nada que las figuras no se representan delante del paisaje, como sucedió antes, sino en el paisaje mismo.
La tradicional disociación cuaternente del primer plan y el trasfondo fue finalmente superada.
Para coincidir con el carácter generalizado de las imágenes, la visión “grande” de la naturaleza y el pensamiento muy compositivo de Leonardo da Vinci. Su anterior Adoración de los Magos en comparación con el cuadro Madonna in the Rocks habría parecido simplemente caótico. En la imagen del Louvre se manifestó claramente la capacidad de colocar las figuras según una construcción geométrica clara y distinta: parecen estar inscritas en un triángulo isósceles, cuyo vértice coincide con la cabeza de María.
Así que Leonardo da Vinci sentó las bases de la composición piramidal muy extendida en la pintura del Alto Renacimiento, creando soluciones claras y armónicas.
En la imagen del Louvre, las figuras se sienten libres y naturales dentro de los límites de esta construcción, especialmente porque Leonardo da Vinci evita el geometrismo seco, introduciendo matices adicionales en la composición. De este modo, haciendo de la esquina inferior derecha de la imagen dos figuras: el ángel y el bebé Cristo, el artista lo equilibra con la ayuda de una gran brecha en la parte superior izquierda, gracias a la cual la calma de la composición piramidal se enriquece con el movimiento a lo largo de la diagonal. Tales técnicas de equilibrio dinámico complejo serán características de los maestros del Alto Renacimiento.
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