El pintor italiano Antonio del Pollaiolo le dio fama mundial no solo a sus pinturas, sino también a sus obras escultóricas, de joyería y grabado. Probablemente, el trabajo en varios campos del arte que requieren una idea clara tanto del espacio como del plano explica el interés especial del artista en la anatomía humana, la perspectiva y el paisaje.
Pollaiolo, un representante de la escuela florentina, lo que significa que conocía bien los logros de sus predecesores. El claroscuro, la perspectiva espacial, fue dominado por él incluso durante el entrenamiento. Parecía que nada podía impedir que el artista creara una realidad ilusoria en el lienzo sobre las tradiciones de los mejores maestros italianos; Sin embargo, en realidad era mucho más complicado.
Mientras los artistas del resto del mundo dominaban los descubrimientos de la escuela florentina, la ansiedad comenzó a crecer en las filas de los propios maestros italianos. La alegría de las victorias que ganaron se había ido, y de repente se hizo evidente para los artistas que el arte no podía desarrollarse sin pérdida. Los maestros medievales no poseían la técnica de crear volumen en un plano, pero esto les ayudó a construir composiciones claras de sus obras. Podían disponer de forma absolutamente arbitraria las figuras de los personajes, logrando la perfecta armonía del conjunto. Los florentinos intentaron transmitir la realidad en el lienzo, lo que significa que resolver problemas de composición ya no era tan simple.
De hecho, los cuerpos no se pliegan en un todo, no ocupan espacio de tal manera que dan la impresión de que las líneas están completas.
Los artistas florentinos adoptaron una gran fuerza, pero su adquisición los amenazó con la pérdida de otro logro importante: la unidad de la forma. Superar esta contradicción fue la tarea principal del nuevo arte de Florencia.
La misma tarea debía ser resuelta por Pollaiolo. La unidad de forma fue una de las condiciones más importantes para crear imágenes de altar y frescos en los templos, donde la imagen debía encajar en la apariencia arquitectónica general. La no observancia de este principio significó la destrucción de todo el conjunto artístico.
En 1475, Pollaiolo se puso a trabajar en la imagen del altar, cuya trama se basó en la tradición de la ejecución de San Sebastián.
El intento del artista de combinar su propio sentido intuitivo con métodos más racionales en el curso de su trabajo no fue completamente exitoso. La imagen que creó difícilmente puede llamarse atractiva, pero muestra cómo los artistas florentinos trabajaron de manera racional. La composición de la escena es estrictamente simétrica.
En su centro hay un pilar con un mártir. Sebastián está rodeado por seis verdugos, de modo que los cuerpos humanos forman la forma correcta de una pirámide aguda. Para cada figura a la derecha, hay una figura pareada a la izquierda.
La simetría axial es observada por el pintor y en el contorno del paisaje. Ella es tan estricta que está lista para entrar en un duro esquematismo. El artista no quería hacer esto, por lo que comienza a variar las posturas de las personas. Así, los dos arqueros en primer plano se les muestran desde diferentes posiciones. El de la izquierda en la imagen, le dio la espalda al espectador, su derecho “analógico” frente a nosotros.
El pintor se adhiere al mismo principio cuando describe a los arqueros que disparan. Pero ahora el verdugo a la derecha se muestra desde la parte posterior, y la figura gemela a su izquierda se representa frente al espectador.
El juego en posturas se convierte en una demostración de ejercicios de composición, que tampoco nos permite atribuir la imagen al número de grandes éxitos de maestros. Inspirado por el experimento de la composición y por una descripción detallada de la anatomía del cuerpo humano, el artista se distrajo del tema central, que no podía menos que afectar la impresión general producida por la pintura. Eventos y hermosas vistas de la campiña toscana no se asocian con el drama.
Se construyen de acuerdo con todas las reglas de perspectiva, pero con la colina en la que se tortura a Sebastián, se conectan mecánicamente.
Sin embargo, a pesar de todas las convenciones, la imagen es de gran interés para el investigador. La expresividad del evento se combina en él con un intento de racionalizar el conocimiento del mundo real; Además, el culto de una línea clara, clara, formas plásticas. Esta imagen ayuda a comprender las tareas en las que trabajaron los artistas durante el período fronterizo.
Una generación más tarde, estos problemas encontrarán su solución, y luego el arte italiano alcanzará su punto máximo en su desarrollo, pero Pollayolo tomó el primer paso en este difícil camino.
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