“El mar es mi vida”, dijo el artista. Tenía la capacidad de transmitir el movimiento y el aliento del mar. Desde la infancia, Aivazovsky amó el mar y logró crear una imagen veraz y poética de elementos ilimitados, a cuya percepción romántica siempre se mantuvo fiel.
El maestro se distinguía por un inusual pensamiento pictórico. En el lienzo, el artista crea combinaciones brillantes y llamativas con su magnífico sonido decorativo. Tales obras son percibidas como una sinfonía de colores, como una canción de belleza. “Si hubiera vivido por otros trescientos años”, dijo el artista, “siempre encontraría algo nuevo en el mar”.
A menudo, en las imágenes Aivazovsky se puede ver a la gente admirando la majestuosa belleza de la naturaleza. El artista ve una parte integral del universo en el hombre. Sus héroes románticos “ficticios” son autorretratos a su manera. El artista abrió su método de imagen de memoria, incluso sin bocetos, limitado a solo un boceto rápido con un lápiz.
Justificando este método, el artista dijo: “Los movimientos de los elementos vivos son esquivos para el pincel: escribir un rayo, una ráfaga de viento, una oleada en una ola es impensable en la naturaleza”. Fusiona el juego esmeralda del surf del mar negro. Posteriormente, sin importar cuántos mares escribiera, todo lo que obtenía era agua verde clara con encaje violeta de espuma, característica de su Evksinsky Pontus nativo.
Las impresiones más vivas estaban asociadas con el mar; Por eso dedicó todo su arte a la imagen del mar. Con el mismo poder, podría transmitir el brillo de la luz solar que brilla sobre el agua, la transparencia de la profundidad del mar y la espuma blanca como la nieve de las olas. Las obras de Aivazovsky se destacaron entre las obras de pintores contemporáneos por sus cualidades coloristas.
En la década de 1840, durante el pasaje de la exposición en Berlín, el crítico del periódico local explicó el sonido exagerado de los colores en las obras del artista ruso por el hecho de que era sordo y mudo y que esta deficiencia se compensaba con una visión más amplia. El crítico estricto I. N. Kramskoy escribió a P. M. Tretyakov: “Aivazovsky probablemente posee el secreto de dibujar pinturas, e incluso los colores en sí son secretos; ni siquiera he visto colores tan brillantes y puros en los estantes de las tiendas de comerciantes”.
Aivazovsky experimentó la influencia de los pintores marinos holandeses del siglo XVII, llegó a la técnica “acuarela” de la pintura, cuando el color se superpone en el lienzo con capas finas que se superponen entre sí. Esto hizo posible transmitir las gradaciones más pequeñas de color-tono. Comenzó a pintar el cuadro Aivazovsky, que representa el cielo, o como lo llamó después de que su maestro en la Academia de Artes M. N. Vorobiev – aire. Independientemente del tamaño del lienzo, Aivazovsky escribió “aire” en una sesión, incluso si se extendía hasta 12 horas seguidas. Fue este esfuerzo titánico el que logró la transmisión de la ventilación y la integridad del espectro de colores del cielo.
El deseo de completar la imagen lo más rápido posible fue dictado por el deseo de no perder la unidad del estado de ánimo del motivo, para transmitir al espectador el momento detenido en la vida del elemento marino móvil.
El agua en sus pinturas es un océano infinito, no tormentoso, sino tambaleante, severo, sin fin. Y el cielo, si es posible, es aún más interminable. “La trama de la pintura”, dijo el artista, “está en mi memoria, como la trama de un poema de un poeta; después de hacer un boceto en un papel, me pongo a trabajar y hasta que dejo el lienzo hasta que tengo mi pincel”. Hablando sobre sus pinturas, Aivazovsky comentó: “Esas pinturas en las que la fuerza principal es la luz del sol… deberían ser consideradas las mejores”.
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