La peinture de Léonard de Vinci “Mona Lisa” ou “Mona Lisa”. La taille du tableau est de 77 x 53 cm, huile sur bois. Vers 1503, Leonardo a commencé à travailler sur un portrait de Mona Lisa, l’épouse du riche Florentine Francesco Giocondo. Cette œuvre, connue du grand public sous le nom de “Mona Lisa”, a reçu un accueil enthousiaste des contemporains.
La gloire de l’image était si grande que des légendes se sont ensuite développées autour d’elle. Une littérature énorme y est consacrée, dont la plupart est loin d’être une évaluation objective de la création léonardienne. On ne peut nier que cette œuvre, en tant que l’un des rares monuments de l’art mondial, a vraiment un pouvoir d’attraction énorme. Mais cette particularité de l’image n’est pas associée à l’incarnation d’un début mystérieux ou à d’autres fabrications similaires, mais est née de sa profondeur artistique étonnante.
Portrait de Léonard de Vinci “La Joconde” est une étape décisive sur la voie du développement du portrait de la Renaissance. Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d’œuvres importantes de ce genre, leurs réalisations dans le portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations dans les principaux genres picturaux – dans les compositions sur des sujets religieux et mythologiques. L’inégalité du genre portrait était déjà évidente dans l’iconographie même des images de portrait. En effet, les portraits du XVe siècle, avec toutes leurs similitudes physiognomiques indiscutables et la sensation de force interne émise par eux, se distinguent également par leur contrainte externe et interne. Toute la richesse des sentiments et des émotions humaines qui caractérise les images bibliques et mythologiques des peintres du XVe siècle n’était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans les portraits antérieurs de Léonard de Vinci, créés par lui dans les premières années de son séjour à Milan. Il s’agit d’un “Portrait d’une dame à l’hermine”, représentant Cecilia Gallearani, la bien-aimée Lodovico Moreau, et un portrait d’un musicien.
En comparaison avec eux, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d’un gigantesque changement qualitatif. Pour la première fois, l’image du portrait dans sa signification est devenue un niveau avec les images les plus vives d’autres genres picturaux. Mona Lisa est représentée assise dans un fauteuil sur fond de paysage, et la comparaison même de sa figure très proche du spectateur avec le visible de loin, comme si d’un immense paysage de montagne donne à l’image une extraordinaire grandeur. La même impression est facilitée par le contraste de la tactilité plastique accrue de la figure et de sa silhouette généralisée lisse avec le paysage s’étendant dans une distance brumeuse, semblable à une vision avec des rochers bizarres et des cours d’eau qui s’enroulent entre eux. Mais tout d’abord, elle est attirée par le regard de Mona Lisa elle-même – son inhabituelle, comme si elle regardait inséparablement le regard du spectateur, rayonnant l’esprit et la volonté, et un sourire à peine perceptible,
Il y a peu dans le monde entier des portraits d’art égaux à la peinture “Mona Lisa” dans le pouvoir d’expression d’une personne humaine, incarné dans l’unité de caractère et d’intellect. C’est la charge intellectuelle extraordinaire du portrait de Léonard qui le distingue des images de portrait du quattrocento. Cette caractéristique de lui est perçue plus clairement en ce qu’elle se réfère à un portrait féminin, dans lequel le caractère du modèle était auparavant révélé dans une tonalité figurative complètement différente, principalement lyrique.
La sensation de force émanant de la peinture de la Joconde est une combinaison organique de calme intérieur et d’un sentiment de liberté personnelle, une harmonie spirituelle d’une personne basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire n’exprime pas du tout la supériorité ou la négligence; il est perçu comme le résultat d’une confiance en soi calme et d’une maîtrise de soi totale. Mais la peinture de Mona Lisa contient non seulement un début rationnel – son image est pleine de haute poésie, que nous ressentons à la fois dans son sourire insaisissable et dans le mystère du paysage semi-fantastique qui se déroule derrière elle. Les contemporains ont admiré la ressemblance frappante de l’artiste et l’extraordinaire vitalité du portrait. Mais sa signification est beaucoup plus large: le grand peintre Léonard de Vinci a réussi à apporter à l’image ce degré de généralisation, ce qui nous permet de le considérer comme une image d’un homme de la Renaissance dans son ensemble. Un sentiment de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l’image, dans ses motifs individuels – dans la façon dont le voile transparent léger, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combine des mèches de cheveux soigneusement écrites et de petits plis de la robe en un contour lisse commun; cette sensation n’est en rien comparée à la douce douceur du modelage du visage et aux belles mains lisses. Cette modélisation évoque une impression si forte d’une physicalité vivante que Vasari a écrit qu’un battement d’impulsion peut être vu dans la cavité du cou de Mona Lisa. combine des mèches de cheveux soigneusement dessinées et de petits plis de la robe en un contour lisse commun; cette sensation n’est en rien comparée à la douce douceur du modelage du visage et aux belles mains lisses. Cette modélisation évoque une impression si forte d’une physicalité vivante que Vasari a écrit qu’un battement d’impulsion peut être vu dans la cavité du cou de Mona Lisa. combine des mèches de cheveux soigneusement dessinées et de petits plis de la robe en un contour lisse commun; cette sensation n’est en rien comparée à la douce douceur du modelage du visage et aux belles mains lisses. Cette modélisation évoque une impression si forte d’une physicalité vivante que Vasari a écrit qu’une impulsion du pouls peut être vue dans la cavité du cou de Mona Lisa.
L’un des moyens d’une nuance plastique aussi subtile était le caractéristique “sphumato” de Leonard – une brume subtile enveloppant le visage et la figure, adoucissant les contours et les ombres. Léonard de Vinci recommande à cet effet de placer entre la source lumineuse et les corps, comme il le dit, “une sorte de brouillard”. La primauté de la modélisation en noir et blanc se ressent dans la coloration subordonnée de l’image. Comme de nombreuses œuvres de Léonard de Vinci, cette image s’est assombrie avec le temps, et ses corrélations de couleurs ont quelque peu changé, cependant, des comparaisons réfléchies dans les tons d’oeillets et de vêtements et leur contraste général avec le ton vert bleuâtre, “sous-marin” du paysage sont clairement perçus.
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