Mona Lisa o Gioconda – Leonardo Da Vinci

Mona Lisa o Gioconda   Leonardo Da Vinci

Pintura de Leonardo da Vinci “Mona Lisa” o “Gioconda”. El tamaño de la imagen es de 77 x 53 cm, madera, óleo. Alrededor de 1503, Leonardo comenzó a trabajar en un retrato de Mona Lisa, esposa del rico florentino, Francesco Giocondo.

Este trabajo, conocido por la gente común bajo el nombre de “Gioconda”, recibió una evaluación entusiasta de los contemporáneos.

La fama de la pintura era tan grande que más tarde se formaron leyendas a su alrededor. Está dedicada a una gran literatura, la mayoría de las cuales está lejos de ser una evaluación

objetiva de la creación de Leonardo. Hay que admitir que esta obra, como uno de los pocos monumentos del arte mundial, tiene un tremendo poder de atracción.

Pero esta característica de la imagen no está relacionada con la encarnación de un comienzo misterioso o con otras fabricaciones similares, sino que nació de su asombrosa profundidad artística.

Retrato de Leonardo da Vinci “Mona Lisa”: este es un paso crucial en el desarrollo del arte del retrato del Renacimiento. Aunque los artistas de Quattrocento dejaron varias obras importantes de este género, sus logros en el retrato fueron, por así decirlo, desproporcionados con respecto a los logros en los principales géneros de la pintura, en composiciones sobre temas religiosos y mitológicos. La desigualdad del género de retratos ya era evidente en la misma “iconografía” de las imágenes de retratos.

Las obras de retratos reales del siglo XV, con todas sus indisputables similitudes fisonómicas y la sensación de fuerza interna que irradiaban, también se distinguieron por una restricción externa e interna. Toda la riqueza de los sentimientos y experiencias humanas, que caracteriza las imágenes bíblicas y mitológicas de los pintores del siglo XV, generalmente no era propiedad de sus obras de retratos. Los ecos de esto se pueden ver en los retratos anteriores de Leonardo da Vinci, creados por él en sus primeros años en Milán.

Este es el “Retrato de una dama con un armiño”, que representa a Cecilia Gallearani, la querida Lodovico Moro y el retrato de un músico.

Comparado con ellos, el retrato de Mona Lisa se percibe como el resultado de un cambio cualitativo gigantesco. Por primera vez, la imagen del retrato en su significado se ha convertido en el mismo nivel con las imágenes más vívidas de otros géneros pictóricos. Mona Lisa está representada sentada en una silla en el fondo del paisaje, y ya desde la lejanía de la gran yuxtaposición de su figura, que está muy cerca del espectador, se puede ver desde una gran montaña, el paisaje cuenta la extraordinaria grandeza.

El contraste con la mayor tangibilidad plástica de la figura y su silueta suave y generalizada con el lejano paisaje brumoso, similar a la visión de un paisaje con extraños acantilados y canales de agua sinuosos entre ellos, contribuye a esta impresión. Pero sobre todo, la apariencia de la propia Mona Lisa se siente atraída: su aspecto inusual, como si observara inseparablemente al espectador, irradiando mente y voluntad, y una sonrisa apenas perceptible.

Hay poco en el mundo del arte de los retratos, igual a la pintura “Mona Lisa” por la fuerza de la expresión de la persona humana, encarnada en la unidad de carácter e inteligencia. Es la carga intelectual extraordinaria del retrato de Leonard lo que lo distingue de las imágenes de retrato de Quattrocento. Esta característica de él se percibe más claramente, que se relaciona con el retrato femenino, en el que el carácter del modelo se reveló previamente en una tonalidad figurativa completamente diferente, principalmente lírica.

El sentimiento de poder que proviene de la imagen de Mona Lisa es una combinación orgánica de compostura interior y un sentido de libertad personal, la armonía espiritual de una persona basada en su conciencia de su propia importancia. Y su propia sonrisa no expresa superioridad o abandono; Ella es percibida como el resultado de la autoconfianza tranquila y el autocontrol completo. Pero la imagen de la Mona Lisa no solo representa un comienzo racional, sino que está llena de una alta poesía, que sentimos tanto en su sonrisa esquiva como en el misterio del paisaje semi-fantástico que se desarrolla detrás de ella. Los contemporáneos admiraron la sorprendente similitud y la extraordinaria vitalidad del retrato logrado por el artista. Pero su importancia es mucho más amplia: el gran pintor Leonardo da Vinci pudo traer a la imagen ese grado de generalización, Lo que permite considerarla como una imagen del hombre renacentista en general.

La sensación de generalización se refleja en todos los elementos del lenguaje pictórico de la imagen, en sus motivos individuales, en cómo un velo transparente y claro, que cubre la cabeza y los hombros de Mona Lisa, combina mechones de cabello cuidadosamente escritos y pequeños pliegues del vestido en un contorno general suave; esta sensación no se compara en modo alguno con la suavidad suave del estilo del rostro y las hermosas y elegantes manos. Este modelado evoca una impresión tan fuerte de una física tan viva que Vasari escribió que el pulso late en la profundización del cuello de Mona Lisa. combina los mechones de cabello cuidadosamente dibujados y los pequeños pliegues del vestido en un contorno general suave; esta sensación no se compara en modo alguno con la suavidad suave del estilo del rostro y las hermosas y elegantes manos. Este modelado evoca una impresión tan fuerte de una física tan viva que Vasari escribió que el pulso late en la profundización del cuello de Mona Lisa. combina los mechones de cabello cuidadosamente dibujados y los pequeños pliegues del vestido en un contorno general suave; esta sensación no se compara en modo alguno con la suavidad suave del estilo del rostro y las hermosas y elegantes manos.

Este modelado evoca una impresión tan fuerte de física tan animada que Vasari escribió que el pulso late en la profundización del cuello de Mona Lisa.

Uno de los medios de un matiz plástico tan sutil era el característico “Sfumato” de Leonard, una neblina sutil que envuelve la cara y la figura, suavizando los contornos y las sombras. Leonardo da Vinci recomienda que para este propósito se coloque un “tipo de niebla” entre la fuente de luz y los cuerpos, como él lo expresa. La primacía del modelado de corte también se siente en el color de la pintura que está subordinada a él.

Al igual que muchas obras de Leonardo da Vinci, esta imagen se ha oscurecido de vez en cuando y sus relaciones de color han cambiado un poco, pero incluso ahora se observan comparaciones bien pensadas en los colores del clavel y la vestimenta y su contraste general con el tono verde azulado, “debajo del agua” del paisaje.

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