Venise à la fin du XVIIIe siècle était un grand centre portuaire européen, une ville de conte de fées, une ville de rêve. De nombreux voyageurs ont cherché ce coin d’Italie, attiré par de nombreuses histoires sur le riche passé du pays et l’extraordinaire magnificence des rues vénitiennes. Étant venu ici une fois, je voulais revenir encore et encore, ce qui, malheureusement, n’était pas possible.
Par conséquent, la plupart des visiteurs ont commencé à commander des peintures d’artistes locaux avec vue sur la ville, afin de pouvoir les emporter plus tard. Ainsi, dans l’école vénitienne de peinture, une nouvelle tendance est apparue, dont les adhérents ont créé les Vedutas – des images pittoresques ou gravées des environs. Le plus grand représentant de cette direction peut être appelé Francesco Guardi. L’œuvre de Guardi était la dernière incarnation vivante des meilleures traditions de la peinture vénitienne du XVIIIe siècle. et a largement déterminé le cadre dans lequel le développement d’un paysage réaliste aura lieu au début du siècle prochain.
Mais Guardi avait également des prédécesseurs. Il convient de mentionner ici les noms de Canaletto et Michele Marieschi, qui ont découvert le genre du paysage urbain dans les beaux-arts italiens. Guardi a poursuivi et approfondi sa quête créative. De ses professeurs, il a adopté l’idée que dans l’image, il suffit de transmettre l’impression générale et que le spectateur peut restaurer lui-même les détails manquants. Par conséquent, ses toiles se distinguent par des traits audacieux et libres et le rejet d’un dessin minutieux de la nature.
Travaillant sur les vues des cathédrales ou des cours tranquilles, sur des images de canaux ou de carrés, Guardi s’est permis de spéculer quelque chose, d’omettre quelque chose, de changer quelque chose sur la toile. Et on ne peut pas dire que cette image a empiré. Au contraire, ils sont devenus encore plus attrayants et, comme aucune autre œuvre, ont recréé l’atmosphère particulière de Venise.
Par exemple, dans le tableau “Vue de l’église de San Giorgio Maggiore à Venise”, vous pouvez voir, si vous regardez de près, les gondoliers sont peints en plusieurs traits. Mais ce ne sont pas des coups aléatoires et approximatifs. Avant de les appliquer sur la toile, l’artiste a soigneusement réfléchi à leur intensité, leur direction et leur alignement. En conséquence, les traits se sont avérés si précis qu’il vaut la peine de s’éloigner légèrement de l’image – et l’illusion est créée dans son intégralité.
Mais Guardi s’est tourné non seulement vers les motifs pour lesquels, par des signes extérieurs, il est facile de révéler l’image de Venise, mais aussi vers ceux où la place principale a été donnée au sentiment poétique. Ce sont les nombreux paysages de chambre des rues et cours vénitiennes, remplis d’un sentiment de tendresse lyrique calme et d’humeur intime. Un exemple frappant des particularités de la créativité de l’artiste peut également être conservé dans la collection du Musée des beaux-arts. A. Pouchkine à Moscou, un petit tableau de l’artiste sous le titre “Cour vénitienne”.
Comme dans tous ses paysages urbains, Guardi ne vise pas ici le transfert précis de l’architecture et une étude détaillée de l’image. Les éléments essentiels sont capturés dans le paysage. Il est important pour l’artiste de ne pas capturer ce que son œil voit, mais de parler spirituellement et lyriquement de sa ville natale. Pour lui, le prix n’est pas un “énoncé des faits”, mais une attitude purement subjective à l’égard du représenté. En effet, c’est la seule façon de dire au spectateur l’esprit et l’atmosphère de Venise, enfermée dans ses rues grises, ses cours confortables et ses lagons déserts. Mais lorsque les détails s’éloignent en arrière-plan, le rôle principal est acquis par la lumière et la couleur.
Toutes les bordures des objets ont été peintes par Guardi de manière indistincte, comme si elles étaient enveloppées d’une certaine brume qui donne naissance à l’illusion de l’espace et combine tous les éléments de la composition en un tout. Gradations de couleurs, le jeu avec des transitions de lumière et d’ombre aide à ressentir la profondeur, la dynamique interne de l’image. La technique d’écriture elle-même y contribue. Des mouvements rapides et légers animent la toile, créent une atmosphère vibrante et transmettent le frisson de la vie elle-même. Des ombres épaisses et une brume d’air humide remplissent l’image de chaleur, et la bande de roulement insouciante d’une personne est fascinante, ce qui fait que le spectateur désire suivre le voyageur dans un manteau bleu à l’intérieur de la cour. En vous concentrant sur le sentiment ressenti, vous ressentez clairement le silence et la langueur autour. C’est probablement la même sensation que Guardi lui-même a vécue et a cherché à partager avec le spectateur.
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