Cette œuvre de grande taille a été commandée par l’un des aristocrates pour sa chapelle napolitaine. L’intrigue de l’image est basée sur l’histoire décrite dans le Livre de Tobie. L’archange Raphaël, que Raphaël considérait comme son ange gardien, est l’idéal de l’ange en tant qu’esprit gardien, en particulier le protecteur des jeunes, ainsi que des pèlerins et autres voyageurs.
Dans l’Italie de la Renaissance, c’était une tradition de commémorer le départ d’un fils dans une ville ou un pays éloigné pour commander un tableau sur un terrain avec la présence de Tobiah et d’un ange, et l’image de Tobiah devrait ressembler au fils d’une famille partant en voyage. L’archange Raphaël représente la Vierge Marie avec le bébé, monté sur le trône, le jeune Tobiah qui tient le poisson. De retour à son père, Tobia, selon une histoire de l’Ancien Testament, a guéri la cécité de son père. À droite, Saint-Jérôme avec le Lion et un magnifique livre.
Le vice-roi de Naples, le duc de Médine de las Torres a fait un grand effort pour prendre possession de cette œuvre, et lorsque ses efforts ont été couronnés de succès, il a fièrement présenté le tableau de Raphaël à Philippe IV. Écrit à Rome, “Madonna of the Fish” est très différent des premières Madones de l’artiste. Ni dans la composition, ni dans la palette de couleurs, il n’y a déjà ce lyrisme touchant, si caractéristique de la période florentine de son œuvre. L’ensemble de la toile est décidé sur le contraste des couleurs jaune chaud et vert froid.
Le seul accent rouge dans les vêtements de Saint-Jérôme ressemble à une réponse aux vêtements plus brillants de Tobias et de l’archange à côté de lui. La Madone est plongée en elle-même, et bien que son visage soit tourné vers Tobiah, ses pensées sont loin. Le petit Christ, pas pour le moins enfantin, pour ainsi dire, mène une conversation interne avec l’archange Raphaël, qui lui est adressé. Malgré la symétrie de la composition et le jeu de couleurs étouffé, l’image provoque une sensation d’anxiété.
La “colonne de l’autel”, conservée au Metropolitan Museum of Art, porte le nom des propriétaires auxquels elle appartenait autrefois. Cette première œuvre de Raphaël, créée, croit-on, en 1504, alors qu’il n’avait que vingt et un ans, n’est pas l’une des œuvres les plus marquantes de l’artiste.
L’autel est exposé avec une composition semi-circulaire se terminant avec elle en haut – une lunette, où Dieu le Père et deux anges sont représentés. Séparément montré est un petit tableau “Prière pour le calice”, qui faisait autrefois partie de la prédelle – la partie inférieure de l’autel.
Le panneau central représente la Vierge à l’enfant avec le petit Jean-Baptiste et quatre saints. La solennité de la composition de l’autel se conjugue avec le caractère profondément humain de l’image de Marie. Dans ses images, Madonna Rafael a chanté le noble idéal de la Renaissance, qui a vu en l’homme l’incarnation de la perfection terrestre et de la beauté spirituelle. Maria est assise sous un auvent sur un trône orné.
Les figures de l’enfant Christ et du petit Jean-Baptiste s’inscrivent dans les contours de son manteau, renforçant l’impression de tendresse maternelle, de protection et d’amour. Dans les images de Maria et Lucia, on peut sentir la proximité avec le travail de son professeur Perugino, caractéristique des premières œuvres de Raphaël. Cependant, la nature stricte et régulée de la composition, l’abstrait, le début idéal dans les figures solennelles de Pierre et Paul témoignent de la recherche d’un “grand” style. Ces changements dans le travail de Raphaël sont généralement associés à un voyage à Florence, où il s’est familiarisé avec les œuvres de Michel-Ange et de Léonard de Vinci.
“Madonna and Saints” est bien conservé. En 1977, la peinture a été restaurée, la luminosité et la richesse des couleurs distinguent sa saveur: tons locaux jaunes et rouges des vêtements de Pierre et Paul, combinaisons exquises de vert clair et de lilas dans les figures de Catherine et Lucia, un ton lilas dans les vêtements du bébé. La figure de Marie est mise en valeur dans la couleur pourpre de sa robe et bleu marine – le manteau, malheureusement, était très sombre de temps en temps, de sorte qu’il devenait presque noir. Mais, comme auparavant, une petite dispersion d’ornement sous forme de points d’or est toujours visible sur son fond, renforçant l’ombre d’une tendresse naïve et d’une poésie fabuleuse sous la forme d’une madone. Cette image d’autel est immédiatement devenue célèbre en Italie.
Selon le biographe des artistes italiens Vasari, il a été commandé pour le monastère de Sant Antonio à Pérouse. Au XVIIe siècle, l’autel était vendu en partie. Le panneau central, avec la lunette, est rapidement tombé dans la collection de la famille romaine Colonna. À la fin du XIXe siècle, le tableau était en Espagne, chez le duc de Castro, et de lui, entre les mains des marshans parisiens et londoniens, en 1901 est venu à John Pieront Morgan, qui l’a payé cent mille dollars. En 1916, le fils de Morgan le présente au musée.
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