Portrait d’une vieille femme – Rembrandt Harmenszoon Van Rijn

Portrait dune vieille femme   Rembrandt Harmenszoon Van Rijn

Photo du peintre néerlandais Rembrandt van Rijn “Portrait d’une vieille femme”. La taille du portrait est de 109 x 84 cm, huile sur toile. La vieillesse dans une grande variété d’options a toujours repris Rembrandt: comme une réalité caractéristique, comme un modèle pour les personnages bibliques, comme une réponse mystérieuse aux chercheurs d’art et, enfin, comme une présence visible et constamment remarquée de la vie vécue.

Cet intérêt pour la vie et la recherche de la vérité sont devenus par la suite les principaux points d’attaque de la critique d’art classique; en 1671,

Jan de Bishop, faisant clairement allusion à Rembrandt, se plaignait que “en Hollande, Leda et Danae sont dépeintes comme une femme nue avec un ventre épais et gonflé, des seins flasques et des traces de jarretière sur les jambes”; Andris Pels a compilé sa réprimande à l’artiste en vers en 1681 et a appelé Rembrandt “le premier hérétique de l’art de la peinture.”

Mais la mesure dans laquelle une telle combinaison vitale de l’idéal et du réel confère aux images de Rembrandt une nouvelle véracité profonde est prouvée par la simplicité de ce portrait animé par sa richesse pittoresque étonnante. Ce qui est inclus dans cette image d’une vieille femme – sa gentillesse, sa fermeté et, malgré les années vécues, un regard attentif – tout cela exprime toute une vie et rend belles les larmes amères de son âge.

En tant qu’éléments formatifs et sensoriels des portraits confessionnels de Rembrandt, la lumière et les ombres, leurs transitions mouvantes et excitantes contradictoires, acquièrent de plus en plus de pouvoir expressif. La lumière qui jaillit des ténèbres se manifeste déjà au début de la créativité de l’artiste comme un brillant pouvoir triomphant, non seulement formateur, mais aussi moral et symbolique.

Mais ce n’est qu’à la fin des années 40 du XVIIe siècle que la lumière dans les peintures de Rembrandt a atteint sa pleine indépendance, symbolisant ce qui se passait comme une invasion passionnante ou une réalité transformatrice, le pouvoir de la connaissance ou le droit contraignant d’un pouvoir supérieur, souvent divin.

À la fin de l’œuvre de l’artiste, la lumière se transforme en un rayonnement magique intemporel et pourtant concret, en une lueur flamboyante qui spiritualise tout ce qui est représenté, finissant par se fondre dans une chaleur incompréhensible avec la couleur: la lumière devient couleur, la couleur devient lumière. Pour Rembrandt, “la tragédie d’un mourant, éparpillé, vacillant, constamment combattu par l’invasion de l’ombre de la lumière” se termine par une confiance profonde, avec une passion enflammée sans fin.

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