Au bas de la face avant de l’icône se trouve une inscription grecque: “… en été depuis Adam 7180, et depuis la Nativité du Christ 1671, le 16 octobre, la vanité du maître du tsar nommé Pimen Fedorov, surnommé Simon Ouchakov, dans la ville de Moscou…”. Divulgué dans les années 1927-1928 Reçu du Musée du Palais Gatchina en 1925, le Musée d’État russe. Simon Ouchakov était l’une des figures centrales de la culture russe du XVIIe siècle. La renommée lui a apporté non seulement le travail de l’artiste, mais aussi les diverses activités du professeur, théoricien, organisateur. Pendant de nombreuses années, Ouchakov a dirigé l’armurerie de Moscou, qui était à l’époque le principal centre d’art du pays.
L’une des œuvres typiques de Simon Ouchakov, l’icône de la “Trinité” a été créée par lui pendant la période de maturité créative. En tant que principal schéma de composition, principalement dans la construction du groupe central des anges, Ouchakov a utilisé la célèbre Trinité d’Andrei Rublev. Mais en même temps, il a changé son esprit et son sens au point que le spectateur ressentira la différence entre les deux œuvres du même nom plutôt que la similitude.
Le principal pathos de la “Trinité” Ouchakov est de créer l’apparence du monde matériel et objectif. Des anges aux figures lourdes et aux visages peints en trois dimensions sont assis sur des tabourets massifs sculptés. La table est étroitement bordée de divers ustensiles – bols en or et en argent, grands verres et assiettes, qui rappellent les vrais produits des maîtres russes du XVIIe siècle. Un arbre au feuillage dense s’élève sur le versant d’une colline ronde, et la structure architecturale a des formes très spécifiques et est représentée dans une perspective linéaire.
En se tournant vers l’intrigue traditionnelle et en préservant le schéma de composition, ainsi que les vieilles astuces dans le transfert des plis de vêtements, l’artiste du XVIIe siècle réinterprète principalement l’image. En mettant l’accent sur les moments du quotidien, en renforçant l’interprétation matérielle, il confère ainsi à l’icône un caractère profane et en même temps la prive de la spiritualité et du son philosophique qui composent l’essence de l’œuvre de Rublev. Cela est particulièrement prononcé dans l’interprétation des personnes exécutées en trois dimensions, avec l’utilisation du clair-obscur, avec de petits traits se fixant dans la forme. Lumineux avec une rougeur uniforme, tout aussi sereins, ils ne contiennent pas une vie intérieure tendue, sont privés de spiritualité poétique. La dualité affecte également le style de l’icône, qui combine les différents principes de construction en perspective. Le fond architectural semble avoir été emprunté à la peinture de Véronèse “
Une perspective correcte et claire avec un soupçon de transfert d’éclairage entre en dissonance avec l’image de la table montrée dans la perspective inverse traditionnelle, et avec les figures d’un ange situées dans l’icône en dehors de l’espace réel. Cette tentative de combiner la tradition de la peinture d’icônes avec un nouveau style, issu de l’art occidental, est l’une des étapes de la transition vers une nouvelle peinture, caractéristique de la prochaine étape de l’histoire de l’art russe.
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