Ce chef-d’œuvre de Giotto est la perle de la chapelle del Arena. Le centre de la composition sont deux visages rapprochés: le Christ mort et sa mère. C’est ici que la pente de pierre et les vues des autres participants de la scène conduisent l’œil du spectateur. La position de la Mère de Dieu est très expressive, se penchant sur le Christ et regardant inséparablement le visage sans vie du Fils. La tension émotionnelle de cette histoire “pittoresque” est sans précédent – nous ne trouverons pas d’analogues dans la peinture d’alors.
Le “paysage” semble symbolique ici. La pente de pierre divise l’image en diagonale, soulignant la profondeur de la perte fatale. Les figures entourant le corps du Christ avec leurs poses et leurs gestes expriment diverses émotions. Nous voyons devant nous éprouver stoïquement le chagrin de Nicodème et Joseph d’Arimathie, pleurant Marie-Madeleine, accrochée aux pieds du Christ, des femmes se tordant les mains de désespoir et pleurant la mort des anges du Sauveur. Ce chef-d’œuvre de Giotto sous une forme concentrée démontre le caractère innovant de sa peinture. L’écart avec la tradition byzantine qui prévalait dans l’art médiéval est ici nettement marqué. Cela s’applique à absolument tout. L’intrigue sacrée se transforme en un récit vivant.
C’est avec Giotto que la peinture cesse d’être un commentaire auxiliaire des Saintes Écritures, acquérant un sens indépendant. L’artiste s’éloigne des stéréotypes, refuse un système symbolique rigide, il s’intéresse aux effets spatiaux et optiques complexes. Il s’intéresse au monde dans sa diversité. Il s’intéresse enfin à la vérité du sentiment humain et de la pensée humaine. Ses personnages perdent leur ancienne apparence de peinture d’icônes – ils sont trapus, à larges épaules, dotés d’une apparence majestueuse, vêtus de vêtements et d’imperméables de coupe simple à partir de tissus lourds et unis drapés dans de grands plis. Boccaccio a écrit que les héros de l’artiste sont des gens complètement vivants, ils ne peuvent tout simplement pas parler.
Le rôle le plus important dans Giotto commence à jouer la couleur. Il exprime désormais non seulement et non seulement le symbolisme céleste, mais contribue également à donner une réelle force de persuasion, un volume plastique aux figures et aux objets, à mettre en évidence les personnages principaux, à révéler le sens idéologique de la composition. Dans ses compositions, Giotto analyse l’âme d’une personne, analyse ses sentiments, montre divers aspects de son caractère, sa condition morale. Il dépeint des scènes religieuses dans un cadre terrestre; au lieu du sol doré des Byzantins, il a un paysage ou des bâtiments.
Giotto prend certaines scènes de l’art byzantin, mais les traite, ravivant une nouvelle vie. Oui, pour le goût d’aujourd’hui, l’artiste agit parfois de manière très incertaine. Mais le chemin est tracé. Et ce chemin mènera à la plus haute élévation de la Renaissance. Il semble que Giotto et, disons, Michel-Ange ne peuvent même pas être comparés, mais le Michel-Ange que nous connaissons n’aurait jamais été si Gotto n’avait pas pris ces mesures incertaines, à notre avis.
Les premiers pas vers le nouvel art Michel-Ange lui-même l’a bien compris, appréciant hautement les mérites de son prédécesseur. Et les évaluations d’autres grands contemporains et descendants proches en disent long. Ils parlent du choc vécu par eux sur les tableaux de Giotto. Appelons Dante, Boccaccio. Appelons le même Vasari.
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