En la primera mitad del siglo XVIII. El desarrollo del arte inglés es muy controvertido. En el contexto de un gran número de imitadores sin rostro que trabajan en el género del retrato del desfile, solo se puede distinguir un pequeño número de verdaderos maestros.
Entre ellos, en primer lugar, debe mencionarse el nombre de William Hogarth, quien es considerado legítimamente el fundador de la escuela nacional de inglés.
Vale la pena comenzar por el hecho de que Hogarth es uno de los primeros en la pintura británica, en cuyos lienzos no aparecen las escenas bíblicas, no está lleno de estudios simbólicos, sino de la vida cotidiana de los ingleses, tal como es, sin adornos, llena de eventos alegres y trágicos. La apelación a los orígenes nacionales se debió al hecho de que el artista quería captar la sociedad contemporánea, es decir, la sociedad de la que forma parte el espectador.
Comenzando su carrera como ilustrador de libros, Hogarth a menudo veía como los coleccionistas locales están más dispuestos a comprar pinturas de maestros italianos u holandeses, y soñaban que algún día el arte nativo no tendría menos demanda. Y ahora, después de unos años, Hogarth está dando los primeros pasos hacia la formación de las tradiciones nacionales inglesas en el marco de las bellas artes de su país natal.
Pero todavía tenía que responder a la pregunta más importante: ¿por qué necesitamos el arte? El futuro de todas sus empresas dependía de la respuesta. Y Hogarth encuentra la respuesta correcta.
Para él, el arte es un espejo de la vida cotidiana, durante el cual se revelan ciertas verdades. En otras palabras, el artista en sus lienzos expresa ideas sobre las fatalidades de los vicios y la utilidad de las virtudes. Escenas de una casa – una confirmación visual.
En las pinturas de Hogarth, el espectador observa a qué conduce el vicio y cómo la virtud resulta saludable, por qué una persona termina su vida en la pobreza y la otra en paz y prosperidad.
En pintura, Hogarth trabaja por principio teatral. Él divide una trama en varios actos, cada acción se desarrolla en un lienzo separado. Luego, las pinturas, unidas por una sola idea, el artista pone en una serie, y toda la historia de uno u otro vicio se desarrolla ante el espectador. Hogarth creó varias series de este tipo: “prostitutas de carrera”, “mota de carrera”, etc.
La vida aparece bajo el pincel de Hogarth en toda la fea verdad, y el defecto está completamente expuesto.
El más famoso de la serie creada por el artista es “Career Mota” y su acorde final, “Moth in Bedlam”. La imagen es una de las obras más poderosas de Hogarth en el marco de la dirección de arte, que busca mostrar objetivamente la vida en toda su tragedia. Moth muere en Bedlam, un refugio para los locos. Él perdió su mente, perdió su condición, perdió todo.
Nadie cerca de él y aquellos a quienes honraba por sus amigos, y solo una sola persona llora sinceramente su muerte: la niña que la polilla había dejado una vez.
A continuación Hogarth concentra en el lienzo todo tipo de locura. En el fondo, el espectador ve a un fanático religioso, un hombre que ha perdido la razón debido a los delirios de grandeza. Otro loco está dibujando algún tipo de mapa en la pared, mientras que el ciego está mirando a través de un tubo de telescopio.
Tres figuras en la escalera también son simbólicas: un violinista sonriente, un cantante con gorra de idiota y un hombre mirando tímidamente a algún lado. Toda la acción tiene lugar acompañada por los comentarios cáusticos del enano y las miradas burlonas de las bellezas seculares que conocieron a la polilla en su vida anterior. Y todo esto es vida, una de sus múltiples manifestaciones.
Y todo esto podría haberse evitado si la mot no hubiera vendido el alma al vicio.
Hogarth es un excelente narrador. Sin embargo, la edificación de la imagen no sufre. La composición juega un gran papel aquí.
El artista colocó al grupo principal de personas en el primer plano a la derecha, haciendo una elección a favor de la construcción diagonal del espacio.
Hogarth siempre ha estado convencido de que las líneas suaves son preferibles a las líneas rectas o discontinuas. Acentos ideológicos se colocan a través del juego de la luz; Desde el fondo oscuro general, el pintor arrebata las figuras de la polilla, llorando a su niña y dos damas. La vida está representada en la esencia misma: la trágica colisión del drama humano y la crueldad de la sociedad.
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