Más de treinta veces un gran artista pintó sus propios retratos. Si quieres algo común se puede encontrar en cada uno de ellos, pero si no fuera por las fotos del maestro, nunca habríamos sabido cómo se veía en la realidad.
Cualquier pintura para un artista no es solo una reproducción del mundo circundante, sino también una introducción de sí mismo en este mundo. Para un artista tan difícil, complejo y especial como Picasso, el autorretrato es una forma de transmitir sus sentimientos internos y su programa creativo en momentos especiales y clave de su vida.
Autorretrato de 1901: inicio del período depresivo “azul”. En este momento, el artista está experimentando la primera crisis en su vida, su búsqueda no encuentra una respuesta entre la gente. No puede vender una sola obra, su estado de ánimo es casi desesperado. Siempre sucede con una persona creativa, cuya visión del mundo no es en modo alguno compatible con las tradiciones y visiones estéticas que prevalecen en la sociedad.
Bueno, los artistas a menudo se adelantan a su tiempo. El color de fondo azul fresco es reemplazado por una capa azul oscuro y cabello negro y barba del héroe. Este frío torbellino de colores captura al espectador y señala el camino para descifrar la idea del autor.
El centro del trabajo se convierte en la cara del héroe: casi blanco, sin vida, congelado. La piel se estira hasta el cráneo, las mejillas hundidas, los labios sin sangre y fuertemente comprimidos. Una mirada aguda y perseguida, una capa apretada y abotonada, todo ello demuestra la soledad creativa, el desapego de un mundo extraño y frío.
En la simplicidad de las líneas de la capa, el “nuevo” Picasso ya está adivinado, y la cara, trazada con cuidado, más bien representa la estética de abandono del maestro. Esta fase de transición, que acarrea tanto sufrimiento al artista, es el tema de la imagen del autor.
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