Plus de trente fois, le grand artiste a peint ses propres portraits. Si vous le souhaitez, quelque chose en commun peut être trouvé dans chacun d’eux, mais s’il n’y avait pas de photos du maître, nous n’aurions pas su à quoi il ressemblait vraiment.
Chaque peinture pour un artiste n’est pas seulement une reproduction du monde environnant, mais aussi une introduction de lui-même dans ce monde. Pour un artiste aussi difficile, complexe et spécial comme Picasso, un autoportrait est un moyen de transmettre ses sentiments intérieurs et son programme créatif aux moments spéciaux et clés de sa vie.
Autoportrait de 1901 – début de la période dépressive “bleue”. A cette époque, l’artiste traverse la première crise de sa vie, sa quête ne trouve pas de réponse parmi le peuple. Il ne peut pas vendre un seul emploi, son état d’esprit est bordé par un désespoir total. Cela se produit toujours avec une personne créative, dont la vision du monde ne correspond pas aux traditions et aux vues esthétiques qui prévalent dans la société. Eh bien, les artistes sont souvent en avance sur leur temps. La couleur bleu froid de l’arrière-plan est remplacée par la couleur bleu foncé de la cape et la couleur noire des cheveux et de la barbe du héros. Ce tourbillon froid de couleurs capture le spectateur et indique la voie à suivre pour déchiffrer l’idée de l’auteur.
Le visage du héros devient le centre du travail: presque blanc, sans vie, figé. La peau est tendue sur le crâne, les joues enfoncées, les lèvres exsangues fortement pressées. Un regard vif et hanté, un manteau étroitement boutonné – tout témoigne de la solitude créative, du détachement d’un monde étranger et froid. Dans la simplicité des lignes de la cape, le “nouveau” Picasso est déjà deviné, et le visage dessiné avec soin représente l’esthétique sortante du maître. Cette phase de transition, qui fait tant souffrir l’artiste, est le sujet de l’image de l’auteur.
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