Cet “Autoportrait” de Dürer est un témoignage vivant de son souci d’affirmer le statut social de l’artiste. Des détails du costume soigneusement écrits nous montrent la capacité incomparable de l’auteur à transmettre les plus petits détails du monde qui nous entoure et à nous rappeler ses propres mots: “Plus l’artiste dépeint la vie avec précision, plus son image est belle.” Les mains de Dürer sont jointes comme si elles étaient allongées sur une table. En même temps, ils sont recouverts de gants – évidemment, afin de souligner que ce ne sont pas les mains d’un simple artisan.
Le paysage alpin qui s’ouvre dans la fenêtre rappelle un voyage en Italie qui a eu lieu plusieurs années plus tôt. Tout ici fonctionne pour améliorer un certain pathos; l’image proclame la signification sociale du peintre, son droit à la liberté intérieure et sa propre vision du monde. À l’époque de Dürer, cette approche était innovante. Le premier dans l’histoire de la peinture allemande, Dürer a commencé à écrire des autoportraits. Ce fut une étape audacieuse, marquant la libération de la personnalité de l’artiste du pouvoir des préjugés successoraux. Les autoportraits de Dürer forment une série unique. Avant Rembrandt, personne d’autre n’a rien fait de semblable dans la peinture d’Europe occidentale.
L’artiste réalise son premier autoportrait à l’âge de treize ans. Le garçon sur cette photo a les lèvres pleines, les joues aux contours lisses, mais pas les yeux d’un regard enfantin. Il y a une certaine bizarrerie dans le look: il semble qu’il soit tourné en lui-même. Les premiers autoportraits de l’artiste sont parfaitement complétés par les lignes de son journal de jeunesse: “L’esprit devrait être trop paresseux s’il n’ose pas découvrir quelque chose de nouveau, mais se déplace constamment dans l’ancienne ornière, imite les autres et n’a pas la force de regarder au loin.” Cette attitude du jeune Dürer envers la vie et le travail restera en lui pour toujours. Dans la même veine, il a décidé et très chambré “Autoportrait avec un œillet”.
Le chef-d’œuvre de 1498, qui devint le sujet de cette section, reflétait l’approche de la Renaissance dans l’interprétation de la personnalité de l’artiste, qui ne devrait plus être considérée désormais comme un artisan modeste, mais comme une personne ayant un statut social élevé. Mais il y a un autre autoportrait de Dürer, où toutes ces tendances culminent. Il date de 1500. Le maître s’est peint comme il voulait voir, réfléchissant à la grande vocation de l’artiste. Un homme qui a donné sa vie au service de la belle doit être beau lui-même. Par conséquent, Dürer s’est peint ici à l’image du Christ.
Cela peut sembler un blasphème pour le spectateur moderne. Mais les Allemands au début du XVIe siècle perçoivent tout différemment: pour eux, le Christ est l’idéal de l’homme, et donc chaque chrétien est obligé de s’efforcer de devenir comme le Christ. Sur le champ noir de cet autoportrait, Dürer a imprimé deux inscriptions en or: à gauche, il a mis la date et son monogramme de signature, et à droite, symétriquement avec eux, j’ai écrit: “Moi, Albrecht Dürer, Nuremberg, je me suis écrit dans des couleurs éternelles.” Et l’année prochaine, il a répété: “1500”. C’est en 1500 que les gens de l’époque s’attendaient à la “fin du monde”. Dans ce contexte, cette œuvre de Dürer est lue comme son testament d’éternité.
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