A fines de la década de 1480, las imágenes religiosas de un plan de cámara íntimo se reemplazaron en el trabajo de Botticelli con composiciones a gran escala, como si estuvieran dirigidas a un público más masivo. Mientras que en los años 1484-1489, Botticelli parece estar contento consigo mismo y experimenta serenamente un período de gloria y habilidad, el “Altar de San Marco” ya muestra una sensación de confusión, nuevas alarmas y esperanzas. El impacto de esta pintura se debe en gran medida a la interpretación de la visión celestial, saturada de motivos religiosos y simbólicos con un color apocalíptico.
Se inspiraron en los sermones de Savonarola en Florencia, que pronto llevaron a un golpe político que terminó con la expulsión de los Medici en 1494.
En la solución de temas, otras entonaciones ahora suenan cada vez más, están llenas de un sonido dramático agudo. El formato mismo de las obras de Sandro de este período sobre motivos religiosos es de una naturaleza ampliada, lo que les da un nuevo significado. Un ejemplo típico de este tipo de composición es el altar de San Marco, una de las obras más destacadas de Botticelli.
El Florentine Jewellers Guild se encargó del mantenimiento y la decoración de la Iglesia Dominicana de San Marco, una de las capillas de la iglesia estaba dedicada a su patrona, Santa Eligia. La imagen del altar de “La Coronación de María con los Ángeles, Juan el Evangelista y los santos Agustín, Jerónimo y Eligii”, conocida como el altar de San Marco, escrita por Botticelli alrededor de 1488-1492, estaba destinada a esta capilla. El hecho de que la imagen del altar fue ordenada por los joyeros explica el uso de una gran cantidad de oro en esta pieza.
El fondo dorado en la parte superior de la imagen distingue entre el mundo celestial y el mundo terrestre, sin embargo, todavía entran en contacto en el espacio de la imagen, tal interpretación fue inusual para las obras de esa época.
La parte central del altar está marcada por rasgos arcaicos: las figuras de los ángeles y los santos difieren marcadamente en escala; El fantástico nicho en el que se encierra la escena de la coronación contrasta con una interpretación más realista del entorno espacial de los cuatro personajes principales. Rodeados de ángeles jubilosos, Dios Padre y la Virgen María se sientan en tronos celestiales, y bajo sus pies hay una alfombra de nubes. Botticelli inscribió magistralmente la aurora de sus figuras en la parte superior semicircular de la imagen, lo que concuerda con la arquitectura en forma de cúpula de la capilla.
Cuatro figuras monumentales de santos ubicadas en un semicírculo en un prado, en el contexto de un paisaje con un lago y costas montañosas. El apóstol Juan, el autor del Evangelio, las Epístolas y el Apocalipsis, representado con el libro abierto, actúa como mediador entre los espectadores de la visión y la fantástica rotación de ángeles alrededor del arco iris de querubines y serafines que bordean la escena de la Coronación de María. La aparición de los ángeles en el fondo de los rayos dorados, bajo una luz deslumbrante, entre la lluvia de rosas y el paisaje terrenal con sus rocas y el prado desértico en el que se encuentran los santos, parece enfatizar el contraste entre la realidad celestial fantasmagórica y atractiva y el mundo material.
En la representación de los ángeles hay mucha emoción, el gesto de juramento de San Jerónimo respira confianza y dignidad. Al mismo tiempo, hay un cierto alejamiento de la “perfección de las proporciones”. La intensidad está creciendo, sin embargo, relacionándose exclusivamente con el mundo interior de los personajes y, por lo tanto, sin falta de grandeza, la nitidez del color, cada vez más independiente de la luz y la sombra, aumenta.
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