En un espacio cerrado con una ventana abierta, que domina el sinuoso paisaje toscano, el río y las colinas, Botticelli presentó un grupo de figuras que están en una relación compositiva más compleja que los primeros ejemplos de su “Madonn”.
Las cifras ahora no están tan juntas. María, con la cabeza ligeramente inclinada y con tristeza pensativa, toca la espiguilla. La dirección de su mirada es vaga.
Sentado en el regazo de la Madre, un Bebé serio levantó su mano en un gesto de bendición.
Un ángel joven con un rostro ovalado bien afilado y una sabiduría no infantil es una imagen inusual para los primeros Botticelli. Él extiende un pequeño jarrón de uvas y mazorcas de maíz al pequeño Cristo.
Uvas y espigas de trigo: el vino y el pan son una imagen simbólica de la Santa Cena, los sufrimientos futuros del Señor, Sus pasiones. Según el artista, deberían formar el centro semántico y compositivo de la imagen, uniendo las tres figuras. Leonardo da Vinca se propuso la misma tarea.
En el cierre en el tiempo “Benoit Madonna”. En ella, María extiende una flor de crucifijo al niño, el símbolo de la cruz. Pero Leonardo necesita esta flor solo para crear una conexión psicológica claramente tangible entre madre e hijo; Necesita un tema en el que pueda enfocar la atención de ambos y enfocar sus gestos. En Botticelli, un jarrón con uvas también absorbe completamente la atención de los personajes.
Sin embargo, no los une, sino que los separa internamente; Mirándola pensativamente, se olvidan el uno del otro.
La imagen siente la atmósfera de pensamiento profundo, desapego, desunión interna de los personajes. Esto se debe en gran parte a la naturaleza de la iluminación, incluso, difusa, casi sin sombras. La luz transparente de Botticelli no se aplica a la intimidad, a la comunicación íntima, mientras que Leonardo crea la impresión de crepúsculo: envuelve a los héroes, los deja solos el uno con el otro.
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