Dans un espace fermé avec une fenêtre ouverte qui surplombe le paysage toscan sinueux – la rivière et les collines – Botticelli a présenté un groupe de figures dans une connexion compositionnelle plus complexe que les premiers exemples de sa Madone.
Les chiffres ne sont désormais plus aussi proches. Maria avec une tête légèrement inclinée, tristement réfléchie, touche l’épillet. Son regard est incertain. Le bébé sérieux assis sur les genoux de sa mère leva la main en signe de bénédiction.
Un jeune ange avec un visage ovale pointu et une sagesse non enfantine est une image inhabituelle pour les premiers Botticelli. Il tend un petit vase du Christ avec des raisins et des épis de maïs.
Raisins et épis de maïs – le vin et le pain sont une image symbolique du sacrement, les souffrances futures du Seigneur, sa passion. Selon l’artiste, ils devraient constituer le centre sémantique et compositionnel de l’image, réunissant les trois figures. Une tâche similaire a été fixée par Léonard de Vinci.
En fin de période “Madonna Benoit”. Dans ce document, Marie donne à l’enfant une fleur de crucifère – un symbole de la croix. Mais Leonardo n’a besoin de cette fleur que pour créer un lien psychologique clairement tangible entre la mère et l’enfant; il a besoin d’un objet sur lequel il peut également concentrer l’attention des deux et trahir la détermination de leurs gestes. Chez Botticelli, un vase à raisins absorbe également complètement l’attention des personnages. Cependant, il ne les unit pas, mais les divise plutôt en interne; la regardant pensivement, ils s’oublient.
L’atmosphère de profonde réflexion, de détachement et de désunion interne des personnages se ressent dans l’image. Ceci est largement facilité par la nature de l’éclairage, même, dispersé, presque sans ombres. La lumière transparente de Botticelli n’est pas propice à l’intimité, à la communication intime, tandis que Leonardo crée une impression de crépuscule: ils enveloppent les héros, les laissent seuls les uns avec les autres.
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