L’œuvre “Joueur de luth” est également connue sous le nom de “Jeune homme au luth” et appartient à la brosse du père baroque – Caravage.
Malgré le réalisme et le genre apparents, l’image d’un jeune musicien avec un joli visage presque féminin, diffère en complexe, caché du contenu non initié, rempli de symbolisme, accessible à la compréhension de quelques-uns seulement, bien que le thème de la musique était très populaire parmi les artistes vénitiens et était en demande parmi les acheteurs et les spectateurs.
Il convient de noter qu’en Russie, le “lutniste” est la seule œuvre de la main du Caravage. Vous pouvez la voir à l’Hermitage. Il existe également deux versions identiques et Badminton House). Trois versions ont des différences, comme différents textes dans un cahier et les dimensions de l’image elle-même.
L’interprétation de l’intrigue du tableau est consacrée à l’ensemble de la recherche scientifique; la plus répandue est l’opinion selon laquelle l’idée d’une œuvre est liée au thème de la “vanité des vanités” – le thème de l’inévitabilité de la mort de tous les êtres vivants. Tout réel, comme s’il était écrit de la nature, les détails de l’image sont pleins de touches cachées.
La jeunesse florissante du beau joueur de luth est éphémère: une corde déchirée de luth le rappelle, des fleurs qui se faneront bientôt, des fruits qui se froissent et sèchent. Une autre interprétation de l’image est associée à une représentation symbolique des cinq sens: les fleurs – le sens de l’odorat, les fruits – le goût, les notes – la vue, la musique – l’ouïe, et la pesanteur particulière, a souligné la tridimensionnalité des objets représentés fait allusion à la possibilité de les toucher. L’artiste a écrit les notes dans le cahier posé à côté du violon devant le musicien avec une telle précision qu’il a réussi à déchiffrer la mélodie du madrigal, à la mode à l’époque.
Les techniques artistiques utilisées par le Caravage dans cette œuvre – le contraste de la figure au premier plan éclairée par une lumière latérale uniforme et brillante et le fond neutre sombre, soulignent la forme volumétrique, l’intérêt pour les détails réels, le manque d’idéalisation – ont acquis une grande popularité non seulement parmi les artistes – compatriotes du Caravage, mais et beaucoup de ses partisans européens. Le “caravagisme” est devenu l’une des directions principales de la peinture du XVIIe siècle. L’œuvre a été créée pour le mécène de l’artiste, alors cardinal Del Monte.
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