Esta obra maestra de Giotto es la perla de la capilla del Arena. El centro de la composición son dos caras cercanas: el Cristo muerto y su Madre. Es aquí donde el ojo del espectador dirige la pendiente de piedra y las vistas de los otros participantes en la escena. La postura de la Virgen María, inclinada sobre Cristo y mirando fijamente el rostro sin vida del Hijo, es muy expresiva.
La tensión emocional de esta historia “pictórica” no tiene precedentes, no encontraremos análogos en ella en ese momento pintando.
Lo simbólico aquí es el “paisaje”. La pendiente de piedra divide la imagen diagonalmente, enfatizando la profundidad de la pérdida fatal. Las figuras que rodean el cuerpo de Cristo, con sus posturas y gestos, expresan diversas emociones.
Vemos frente a nosotros estoicamente el dolor de Nicodemo y José de Arimatea, sollozando a María Magdalena, aferrándonos a los pies de Cristo, mujeres agitando las manos con desesperación y llorando la muerte de los ángeles del Salvador. Esta obra maestra de Giotto en forma concentrada demuestra la naturaleza innovadora de su pintura. La brecha con la tradición bizantina que prevaleció en el arte medieval está marcada aquí. Esto se aplica a absolutamente todo.
La historia sagrada se convierte en una historia viva.
Es en Giotto donde la pintura deja de ser solo un comentario auxiliar sobre las Sagradas Escrituras, adquiriendo un significado independiente. El artista se aleja de los estereotipos, rechaza un sistema simbólico rígido, le interesan los complejos efectos espaciales y ópticos. Le interesa el mundo en su diversidad.
Finalmente, está interesado en la verdad del sentimiento humano y el pensamiento humano. Sus personajes pierden su imagen iconográfica anterior: son robustos, de rostro ancho, dotados de una apariencia majestuosa, vestidos con ropa y chubasqueros de corte simple de telas pesadas y monocromáticas envueltas en grandes pliegues. Boccaccio escribió que los héroes del artista son personas completamente vivas, simplemente no pueden hablar.
El papel más importante en Giotto comienza a jugar de color. Ahora no solo está expresando tanto simbolismo celestial como ayuda a dar persuasión real, volumen plástico a figuras y objetos, a distinguir los personajes principales, a revelar el significado ideológico de la composición. En sus composiciones, Giotto analiza el alma de una persona, examina sus sentimientos, muestra varios aspectos de su carácter, su estado moral.
Escenas religiosas que representa en el entorno terrenal, en lugar del suelo dorado de los bizantinos tiene un paisaje o edificios.
Algunas de las escenas que Giotto toma del arte bizantino, pero las recicla, reviven una nueva vida. Sí, para el gusto de hoy, el artista actúa a veces con mucha incertidumbre. Pero el camino está programado.
Y este camino llevará a los altos mandos del Renacimiento. Parece que Giotto y, digamos, Michelangelo ni siquiera pueden compararse, pero que Michelangelo, a quien conocemos, nunca hubiera ocurrido, no había hecho que Giot tomara estos pasos inciertos, en nuestra opinión.
Los primeros pasos para el nuevo arte, el mismo Miguel Ángel lo entendió bien, apreciando los méritos de su antecesor. Sí, y las evaluaciones de otros grandes contemporáneos y descendientes cercanos hablan volúmenes. Hablan del shock que experimentaron con las pinturas de Giotto. Llamemos a Dante, Boccaccio.
Llamemos al mismo Vasari.
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