Le paysage russe du tournant des XIX-XX siècles dans l’oeuvre des Wanderers a reçu deux axes de développement. L’une était liée à la direction académique du paysage paysager et se distinguait par la sécheresse et la douceur de la lettre, l’autre branche, qui, après Levitan, Savrasov, Polenov, a été reprise par de jeunes artistes – Turzhansky, Petrovichev, Vinogradov, professait un paysage lyrique et philosophique. Cette ligne se distingue par une transmission sensible dans les images de la nature des expériences émotionnelles de “l’âme de la nature elle-même”. Au fil du temps, les jeunes artistes susmentionnés ont rejoint l’Union des artistes russes.
Parmi eux, Stanislav Yulianovich Zhukovsky. Sa peinture “L’église de la Nativité de la Vierge. Zvenigorod”, peinte en 1904 au monastère Savvino-Storozhevsky près de Zvenigorod, poursuit la série thématique de paysages architecturaux de monastères et de cimetières, commencée par le peintre dans la seconde moitié des années 1890. Pour l’œuvre de Joukovski, une combinaison d’œuvres dans une série est caractéristique, dans chacune desquelles la composition liée à l’intrigue varie.
Le début principal du film, représentant l’église de Zvenigorod de la Nativité de la Vierge, est le transfert du charme poétique de l’unité de l’architecture et de la nature russes anciennes. Au début du printemps. Le soleil projette des reflets brillants et brûlants sur les dômes dorés de la cathédrale en pierre blanche et laisse des ombres d’un bleu profond sur la neige de mars. Et, malgré le fait qu’il y ait un cimetière près du temple, il n’y a pas une ombre de tristesse dans l’image, et la grâce spéciale qui est caractéristique des lieux saints se déverse dans le paysage. À la recherche des techniques picturales les plus expressives, l’artiste, avec des coups de pinceau rapides et précis, a écrit l’entrelacement des branches d’arbres nus, et a modelé les surfaces blanches du temple avec un large coup de pinceau texturé, qui entre en peinture avec sculpture en relief sur les dômes; les reflets sont encore plus chargés de peinture.
Le maître s’est tourné vers l’écriture corpusculaire, c’est-à-dire qu’il a utilisé de puissantes couches et des golfes de peinture, de petits traits posés avec un pinceau fin, combinés avec le travail avec un couteau à palette. À l’aide de grands plans de couleurs blanches et bleues, l’auteur a donné à l’œuvre un son décoratif qui correspondait le mieux à la nature du moment représenté. Stanislav Joukovski ne pouvait écrire qu’à partir de la nature, et seulement de ce motif qui le capturait entièrement, qui correspondait à son essence intérieure. Il a écrit très rapidement. Sur une photo de grandes tailles, comme en témoignent les contemporains, il a fallu cinq à six séances. Pendant qu’il travaillait, l’artiste n’aimait pas être distrait, chérissant le temps et se précipitant pour capturer ces précieux moments d’illumination, dont la reconstruction était l’aspect le plus puissant de son travail.
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