“Le dîner à Emmaüs” est un sujet populaire dans l’art chrétien. Il est basé sur l’épisode mentionné dans l’Évangile de Luc.
Après la crucifixion du Christ, deux de ses apôtres ont invité un étranger qu’ils venaient de rencontrer pour partager le dîner avec eux. Pendant le repas, l’étranger a béni tout le monde et a rompu le pain. À ce moment, les apôtres ont réalisé que leur invité était en fait Jésus ressuscité. C’est le bref moment de cette perspicacité qui dépeint le Caravage.
On ne sait pas pour qui l’artiste a peint le tableau, on ne peut que dire qu’il a été créé à Rome, en 1602, au plus fort de la contre-réforme.
Cette période a été caractérisée par le besoin de l’église de transmettre ses idées et ses messages directement aux croyants, y compris à travers des travaux soigneusement sélectionnés sur des sujets religieux. Pour suivre cette directive, les maîtres de l’époque devaient être aussi réalistes que possible. Ainsi, le style du Caravage était comme spécialement conçu pour créer des œuvres d’art sur des thèmes bibliques, qui correspondaient aux tâches fixées par le pouvoir clérical.
L’utilisation du clair-obscur sert à transmettre le drame profond de l’image. Comme dans de nombreuses autres œuvres du Caravage, on peut observer ici la prédominance des tons brun foncé, dans un environnement intérieur, une lumière vive est utilisée qui descend verticalement sur les personnes représentées, créant ainsi un fort contraste avec les zones sombres.
Contrairement à de nombreuses peintures de l’époque, qui étaient basées sur une perspective linéaire, le Caravage essaie d’effacer les frontières entre l’image et le spectateur, l’espace de l’image – et l’espace réel. Il semble que l’auteur ne souhaite pas que ses personnages n’existent que dans la toile. Les figures sur la toile sont dirigées vers l’avant, vers le spectateur, et le mur représenté derrière elles semble être repoussé de quelques mètres.
Il semble que la main tendue de l’apôtre de l’intérieur à droite touche la toile sur laquelle le tableau est peint. Le coude du second semble avoir franchi la frontière entre l’espace de l’image et la réalité. Une corbeille de fruits, instable au bord de la table, donne l’impression que la moindre poussée peut la renverser. L’inclusion du représenté dans l’espace réel contribue au manque de sexe dans l’image.
Pour de telles illusions d’optique dans les œuvres du Caravage, la nouvelle atmosphère religieuse à Rome était parfaitement adaptée. Ainsi, Saint Ignace Loyola dans ses exercices spirituels a appelé les croyants à considérer les cinq sens lors de l’examen des œuvres chrétiennes, afin non seulement de comprendre l’intrigue sur la toile, mais aussi d’essayer de s’imaginer physiquement dans la scène représentée.
Comme “Saint Matthieu”, l’image “Dîner à Emmaüs” a également été critiquée. Beaucoup étaient gênés par l’apparence rurale des apôtres et du Christ, qui – contrairement aux chanoines – était décrit comme un homme sans barbe.
“Le manque de décence” est la critique la plus courante du Caravage. Le rejet parmi les contemporains a provoqué le désir du Caravage de montrer les apôtres sous une forme sans fioritures – sale, en lambeaux, en désordre.
Les fruits des raisins, figues et grenades représentés sur le tableau ont également été commentés. Ce sont des fruits d’automne, tandis que la crucifixion et la résurrection du Christ ont eu lieu au printemps. Mais le choix de ces fruits s’explique si l’on tient compte de leur signification symbolique. Pomme pourrie – symbole de tentation et de chute, les raisins symbolisent le sacrifice du Christ. Le pain est également un symbole reconnaissable du corps de Jésus dans le symbolisme chrétien.
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