Lorsque Claude Monet a peint un tableau, désormais connu sous le nom de “La Dame au jardin”, il s’est déjà déclaré innovateur en peinture de paysage, se rebellant contre les règles et les recettes de l’art ancien. L’artiste a jugé insuffisant d’écrire des croquis sur la nature, puis de créer une image sur eux dans l’atelier. Dans un effort pour capturer la nature qu’il a vue avec plus de précision et directement, Monet a décidé une étape audacieuse: il a commencé à peindre un tableau directement à partir de la nature ou, comme ils ont commencé à le dire, en plein air.
L’image de la nature a acquis une fraîcheur et un concret particuliers. Cependant, la nouvelle méthode a conduit à des résultats quelque peu inattendus et a forcé l’artiste à tirer des conclusions de grande envergure. Monet s’est rendu compte que lorsqu’il dépeint une nature en constante évolution, la tâche principale est de transmettre l’éclairage solaire. Dans le tableau “La Dame au jardin”, Monet choisit l’heure du matin, où la lumière et les ombres sont séparées plus clairement qu’à midi étouffant, et les couleurs conservent luminosité et pureté.
Conformément à l’idée principale, il met l’accent sur les contrastes en noir et blanc: sur le fond du mur sombre des peupliers, des taches saturées de lumière du soleil brillent – un arbre en fleurs; derrière lui, dans les profondeurs, en est un autre; et à gauche est la figure d’une jeune femme en robe bleue. Dans un effort pour obtenir un effet maximal dans la transmission de l’éclairage, Monet épaissit les ombres autour des objets. Cependant, observant attentivement la nature, l’artiste a vu que les ombres étaient remplies de lumière. Par conséquent, dans ses paysages, il essaie d’éviter la noirceur terne dans les endroits ombragés et, si possible, de ne pas utiliser de peinture noire.
Dans l’image “Dame au jardin”, il ne réussit toujours pas tout à fait. Monet transmet l’intensité lumineuse avec des couleurs pures. Ainsi, il écrit des fleurs sur le côté ensoleillé du parterre de fleurs avec du cinabre brillant, sur l’ombre – avec des taches plus froides. Par le même principe, il différencie les verts de l’herbe. Une étude attentive de la nature le conduit à utiliser un grand nombre de nuances de vert.
Dans la première peinture, “La Dame au jardin”, les contrastes de lumière et d’ombre sont trop simples, les peintures sont dures par endroits et la couleur est encore quelque peu dure, mais elle acquiert une signification décisive et cela devient le signe le plus important de tout l’art ultérieur. L’image se distingue par une composition claire et stricte, clairement rationaliste pour tout son naturel. Une construction spatiale floue indique la continuité de l’art de Monet avec la tradition de toute la peinture de paysage française. En même temps, le motif représenté est plein de poésie fine.
Une interprétation précise et riche en émotions de la réalité est devenue une caractéristique intégrale de l’impressionnisme français, qui a commencé dans les années 1860 avec Monet et ses associés Pissarro, Sisley, Renoir. Le tableau est entré à l’Hermitage en 1930 depuis le Musée d’État du Nouvel art occidental à Moscou.
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