Pour la première moitié du XVIIIe siècle Le développement de l’art anglais est très controversé. Dans le contexte d’un grand nombre d’imitateurs sans visage travaillant dans le genre du portrait de face, seul un petit nombre de vrais maîtres peut être distingué. Parmi eux, il convient tout d’abord de mentionner le nom de William Hogarth, considéré à juste titre comme le fondateur de l’école nationale anglaise.
Pour commencer, Hogarth est l’un des premiers dans la peinture britannique, sur des toiles dont les scènes non bibliques pleines d’études symboliques prennent vie, mais la vie anglaise quotidienne – telle qu’elle est vraiment, sans embellissement, pleine d’événements joyeux et tragiques. L’appel aux sources nationales est dû au fait que l’artiste a voulu capturer la société contemporaine, c’est-à-dire la société dont le spectateur fait partie.
Commençant sa carrière d’illustrateur de livres, Hogarth regardait souvent les collectionneurs nationaux acheter plus volontiers des peintures d’artistes italiens ou néerlandais, et rêvait que l’art indigène ne serait pas moins populaire un jour. Et maintenant, quelques années plus tard, Hogarth fait les premiers pas vers la formation des traditions nationales anglaises au sein des beaux-arts de son pays natal.
Mais il lui restait à répondre à la question la plus importante: à quoi sert l’art? L’avenir de toutes ses entreprises dépend de la réponse. Et Hogarth trouve la bonne réponse. L’art est pour lui un miroir du quotidien, au cours duquel se révèlent des vérités connues. En d’autres termes, l’artiste sur ses toiles exprime des idées sur le péril des vices et l’utilité des vertus. Et les scènes de tous les jours en sont une confirmation claire. Dans les peintures hogarthiennes, le spectateur observe à quoi mène le vice et à quel point la vertu salutaire est, pourquoi une personne finit sa vie dans la pauvreté, et l’autre dans la paix et la prospérité.
En peinture, Hogarth travaille sur une base théâtrale. Il divise une intrigue en plusieurs actes, chaque action se déroule sur une toile séparée. Ensuite, l’artiste combine les peintures en une série, et toute l’histoire de tel ou tel vice se déroule devant le spectateur. Hogarth a créé plusieurs de ces séries: “La carrière d’une prostituée”, “La carrière d’une mota”, etc. La vie apparaît sous le pinceau de Hogarth dans toute la vérité disgracieuse, et le vice est complètement exposé.
La plus célèbre de la série créée par l’artiste est “Mota Career” et son accord final – “Mot in Bedlam”. La peinture est l’une des œuvres les plus puissantes de Hogarth dans le cadre de la direction de l’art, qui cherche à montrer objectivement la vie dans toute sa tragédie. Mot meurt à Bedlam – un refuge pour les fous. Il a perdu la raison, il a perdu sa fortune, il a tout perdu. Il n’y a pas ceux à côté de lui qu’il vénérait comme des amis, et seule la seule personne pleure sincèrement sa mort – la fille que le moot a quitté une fois.
De plus, Hogarth concentre sur la toile toutes les variétés de folie. Au fond, le spectateur voit un fanatique religieux, un homme qui a perdu la raison à cause de la mégalomanie. Un autre fou dessine une carte sur le mur et un aveugle regarde à travers un tube de télescope.
Trois figures près des escaliers sont également symboliques – un violoniste qui s’est penché, un chanteur au chapeau idiot et un homme qui regarde timidement quelque part sur le côté. Toute l’action se déroule accompagnée de commentaires caustiques des nains et des regards moqueurs de beautés laïques qui connaissaient le mota dans sa vie antérieure. Et tout cela, c’est la vie, l’une de ses nombreuses manifestations. Et tout cela aurait pu être évité si le mot n’avait pas vendu son âme au vice.
Hogarth est un merveilleux conteur. Cependant, l’édification de l’image ne souffre pas. La composition joue ici un rôle important. L’artiste a placé le groupe principal de personnes au premier plan à droite, en choisissant la construction diagonale de l’espace.
Hogarth a toujours été convaincu que les lignes lisses sont préférables aux lignes droites ou aux lignes brisées. Les accents idéologiques sont placés par le jeu de la lumière; du fond sombre général, le peintre attrape les figures d’un mot, pleurant sa petite amie et ses deux dames. La vie est représentée dans l’essence même – la collision tragique du drame humain et l’impitoyabilité de la société.
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