En una postura similar, este modelo se representa en el “Bailarín en reposo” y en “La lección de danza”, para lo cual este pastel, aparentemente, sirvió como un boceto. Lemoine fechó ambos trabajos en 1885, pero los investigadores modernos creen que se realizaron unos cinco años antes.
Las estrechas variaciones extendidas horizontalmente de la “Lección de danza”, en la que Degas ya trabajaba a fines de la década de 1870, muestran parte de la sala de ensayos, donde varios bailarines del cuerpo de baile participan en ejercicios, y uno o dos descansan. Tal es la imagen de la comp. Mellon en Apperville.
Se mostró en la exposición de los impresionistas en 1880, y es este hecho el que permite ajustar la datación de Lemoine en relación con todo el grupo de obras. Probablemente, el lienzo de Williamstown fue pintado después. En el borde derecho se coloca una pequeña bailarina, el prototipo, que podría servir como una “bailarina sentada”.
Ella también tiene sus piernas separadas, solo sus brazos están bajados. En la Lección de danza de Williamstown, esta figura, que cierra toda la cadena de personas involucradas, está diseñada para detener el movimiento general, o más bien, la suma de los movimientos de las bailarinas, en orden.
Una variación del motivo desarrollado en “Sitting Woman” se puede considerar el dibujo de carbón “Resting Dancer”, también conocido como Luminaria en Reposo, donde la figura se representa no tres cuartos, sino frontalmente. Se sugirió que el segundo nombre tradicional se asigna irónicamente. Mientras tanto, no tiene la ironía, sino que simplemente contiene el término de ballet, que significa bailarina de cuerpo de ballet, actuando en la primera línea y realizando bailes pequeños individuales, en los que no confían los miembros ordinarios de la compañía.
Un cuello de terciopelo alrededor de su cuello, un poco de libertad, aunque admisible en el escenario, era un joyero que no podía permitirse un bailarín de cuerpo de ballet, sino una figura destacada.
En pasteles “Salir de bailarines en máscaras” “sentar” la heroína de la imagen de la colección. Krebsa se representa en el momento en que endereza la cinta del cuello. La “salida de las máscaras” prueba una vez más que la bailarina presentada aquí y no es un personaje ficticio, sino una verdadera artista de la Ópera de París, por lo que aquí se la representa: una cara ancha y plana, ojos pequeños muy espaciados, una frente baja.
Incluso puedes asumir que Degas le pidió que fuera su modelo cuando trabajara en estas obras.
La pose del bailarín es poco sofisticada y expresa una total facilidad. Tal vez no sea elegante, sino completamente natural, lo que es más importante para Degas. Tales posturas se remontan a la postura de Giovanna Belelli en Family Portrait, donde la figura colocada en el centro se sienta descuidada y arrogantemente, doblando una pierna debajo de sí misma, en otras palabras, nada que se parezca a la convencionalidad de los retratos personalizados requeridos (debe permitirse que la hija menor sea similar y pequeña retiros del “ceremonial”.
Las variaciones posteriores de tal pose, en las que aparecen los bailarines, son aún más relajadas.
En la imagen de Degas, cualquiera, incluso la posición más inusual del cuerpo toma forma en un patrón tan inmaculado, configurando un marco tan fuerte que puede parecer que la postura “tira” de las líneas que controlan toda la composición. De hecho, en un proceso creativo muy complejo, la naturaleza, que conserva milagrosamente toda su naturalidad, se transforma mediante el color y el dibujo. El color y la línea se condensan y ganan valor casi independiente.
Degas, quien dijo que “el bailarín es solo una excusa para dibujar”, defendiéndose de los juicios superficiales sobre su arte, cuando solo el “pintor de las bailarinas” quería verlo, deliberadamente presentó la situación en una forma simplificada. Como nadie más, conocía y era capaz de mostrar en pinturas y pasteles todo lo que es característico de esta profesión, cualquier matiz del comportamiento de las “ratas”, como se llamaban entonces las clases de baile de cuerpo-ballet. La observación fenomenal y la honestidad nunca permitieron que el artista embelleciera a los personajes.
Un “bailarín sentado” con una cara plana, una figura desgarbada y un cuello corto es difícil de reconocer como hermoso.
Sin embargo, el pastel como una combinación única de manchas de color es hermoso. El dibujo es una muestra de artesanía rara. El equilibrio de todos los elementos se apoya en una solución compositiva, cuya base es la intersección de las diagonales. La diagonal es más notable, indicada por la línea del pie derecho del bailarín y el contorno del corpiño.
La dirección de la otra diagonal se refleja en el movimiento de la mano derecha. En la imagen de Williamstown, la mano se omite, sus líneas, que se continúan en los contornos de la pierna, se indican mediante la “barrera” vertical, el acorde final de la composición. Está claro que con todos los enlaces a esta imagen, el “Bailarín Sentado” no puede ser reconocido como un etude para él.
Es un trabajo completamente independiente con otro, solo que tiene la dinámica inherente del dibujo.
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