À la fin des années 1480, les images religieuses d’un plan intime de chambre ont été remplacées dans les œuvres de Botticelli par des compositions à grande échelle, comme si elles s’adressaient à un public plus large. Si, en 1484-1489, Botticelli semble satisfait de lui-même et traverse calmement une période de gloire et de maîtrise, alors “l’autel de San Marco” témoigne déjà d’une confusion des sentiments, de nouvelles inquiétudes et d’espoirs. La force de l’impact de cette peinture est due en grande partie à l’interprétation de la vision céleste, saturée de motifs religieux et symboliques aux couleurs apocalyptiques. Ils s’inspirent des enseignements de Savonarole à Florence, qui ont rapidement conduit à un coup d’État politique mettant fin à l’exil des Médicis en 1494.
Dans la décision, maintenant différentes intonations sonnent de plus en plus, il est rempli d’un son dramatique et tranchant. Le format même des travaux de Sandro de cette période sur les motifs religieux est élargi, ce qui leur donne une nouvelle signification. Un exemple typique de ce type de composition est l’autel de San Marco, l’une des œuvres les plus frappantes de Botticelli.
La Florentine Jewelers Guild était responsable de l’entretien et de la décoration de l’église dominicaine de San Marco, l’une des chapelles de l’église était dédiée à leur patron Saint Eligius. L’image de l’autel “Le couronnement de Marie avec les anges, l’évangéliste Jean et les saints Augustin, Jérôme et Eligius”, connu comme l’autel de Saint-Marc, peinte par Botticelli vers 1488-1492, était destinée à cette chapelle. Le fait que l’image de l’autel ait été commandée par des bijoutiers explique l’utilisation de grandes quantités d’or dans cette œuvre. Le fond doré en haut de l’image délimite les mondes céleste et terrestre, cependant, ils entrent néanmoins en contact dans l’espace de l’image, une telle interprétation était inhabituelle pour les œuvres de l’époque.
La partie centrale de l’autel est marquée par des caractéristiques archaïques: les figures des anges et des saints varient fortement en échelle; la niche fantastique dans laquelle la scène du couronnement est enfermée contraste avec une interprétation plus réaliste de l’environnement spatial des quatre personnages principaux. Entouré d’anges jubilatoires, Dieu le Père et la Vierge Marie sont assis sur leurs trônes célestes, sous leurs pieds – un tapis de nuages. Botticelli inscrit magistralement l’éclat céleste de leurs figures dans la partie supérieure semi-circulaire du tableau, ce qui est cohérent avec l’architecture en forme de dôme de la chapelle.
Quatre figures monumentales de saints sont situées en demi-cercle dans la prairie, sur fond de paysage avec un lac et des rives vallonnées. L’apôtre Jean, auteur de l’Évangile, épîtres et apocalypse, représenté avec un livre ouvert relevé, agit comme médiateur entre la visionnaire et la rotation fantastique des anges autour de l’arc-en-ciel des chérubins et des séraphins bordant la scène du couronnement de Marie. L’apparition d’anges sur un fond de rayons dorés, dans un éclat éblouissant, parmi une pluie de roses et un paysage terrestre avec ses rochers et une prairie déserte sur laquelle se dressent les saints, semble souligner le contraste entre la réalité céleste attrayante fantasmagorique et les épreuves du monde matériel.
Il y a beaucoup d’excitation à l’image des anges, le geste juré de saint Jérôme inspire confiance et dignité. En même temps, on s’écarte de la “perfection des proportions”. Les tensions augmentent, ce qui, incidemment, se réfère exclusivement au monde intérieur des personnages et donc non sans grandeur, la netteté de la couleur augmente, devenant de plus en plus indépendante du clair-obscur.
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