Calvario – Rogier van der Weyden

Calvario   Rogier van der Weyden

El trabajo presentado es una de las últimas composiciones principales de van der Weyden. Este supuesto se confirma por las formas altamente estilizadas con contornos bien definidos, la reducción del aspecto narrativo y la datación del material. En el pasado, la imagen se hizo demasiado apresurada en base a la selección de colores y composición. Las dos puertas se ubicarían una al lado de la otra, según lo indicado por la continuación de la parte de la ropa de María en el marco derecho.

De ahí la conclusión de que la obra fue concebida como un díptico, como la Corte de Kambiz Gerard

David. Por lo tanto, es completamente erróneo suponer que las puertas son secciones extremas del altar y asumir la presencia de la parte central. En los años 40 del siglo XX, la restauración de la obra se realizó sobre la base de un análisis incorrecto: el cielo es un azul oscuro uniforme.

Los elementos realistas de la arquitectura, incluido el musgo sobre las piedras y la humedad humectante, también se consideraron adiciones posteriores y se eliminaron. El trabajo se convirtió en una imagen arcaica y abstracta con un espacio vacío alrededor de las figuras y con una paleta extraña e inarmónica. Afortunadamente, estos errores ahora están arreglados. En el díptico, la escena tradicional de la Crucifixión con la presencia de San Juan y María se divide en dos partes para formar componentes separados.

Deben considerarse como ilustraciones de los textos bíblicos relevantes. Virgen María se desmaya de pena, al ver la muerte de Jesús. Estos eventos proveen la salvación de la humanidad.

La profundidad de su empatía le da el derecho de convertirse también en el Salvador de la humanidad.

En este trabajo, este paralelismo se mostró por primera vez en dos pinturas separadas para la adoración. Esta separación de las dos parcelas hace que el espectador considere cada solapa por sí misma. La cruz se representa pequeña, y San Juan y la Virgen María están en una colina. Así, ambas acciones tienen la misma altura, lo que enfatiza su igualdad. El cráneo y el hueso humano dirigidos al espectador están situados simétricamente al pie de la cruz.

Estos son los restos de Adán, según la leyenda enterrada en el lugar de la muerte de Cristo. Bajando la cabeza, Jesús dirige su mirada al cráneo de la primera persona con quien comenzó todo. Las figuras están situadas frente a un muro de piedra húmedo. El cielo oscuro sobre él y el terremoto indican el momento de la muerte de Jesús. Las tradicionales túnicas rojas y azules de San Juan y la Virgen María reciben tonos de color rosa claro y azul lechoso.

Lo que los hace alejarse de la realidad terrenal. El rico color rojo de la materia colgante aísla a las figuras, haciéndolas parecer esculturas en el espacio simbólico de la Pasión. En general, las figuras sobre el altar o contra la pared en la capilla a menudo se colocaban sobre el fondo de tela con pliegues planchados.

Todo esto se parece mucho a algunos de los frescos de Fra Angelico en las celdas del monasterio de San Marco en Florencia, familiar para el maestro. De hecho, van der Weyden mantuvo estrechas relaciones con algunos monasterios cartesianos, ya que su hijo se convirtió en monje en el monasterio de Hern. Se sabe que Van der Waiden pintó otra imagen de la Crucifixión para otro monasterio en Sheuta.

En ese trabajo, lleno de emociones, las figuras casi barrocas de San Juan y María a los lados de la cruz se visten con túnicas monásticas y también se colocan sobre el fondo de una materia enderezada de color rojo sangre. Sin embargo, no hay otros motivos para creer que este díptico fue escrito por van der Weyden para conmemorar la admisión de su hijo en el monasterio cartujo de Gern. Sin embargo, el tema es totalmente consistente con la cosmovisión, los rituales y el mundo cerrado de estos monjes. Dado que el trabajo está en España,

Pero, como la Crucifixión de Sheuta y la Crucifixión de Lovaina, podría haber sido adquirida en un monasterio holandés por uno de los monarcas españoles, por ejemplo, Felipe II. Un díptico demuestra una unidad tan obvia de estilo y continuidad a lo largo de su creación desde la etapa de dibujo hasta el trabajo completo que la autoría de un artista está fuera de toda duda. La gravedad algo ascética de las imágenes parece típica de los últimos trabajos de van der Weyden.

Esta es una de sus composiciones más originales, evidencia de la libertad creativa de un maestro del envejecimiento. Aquí la tendencia a la abstracción se detiene. Esto puede parecer absurdo, pero trate de comparar la austeridad y la magnífica actuación de las figuras pálidas de John y Mary bajo un cielo azul oscuro con un rostro estilizado y sensual que emerge de la oscuridad en el mismo período que el retrato de la Mujer. Exaltación y sensualidad, pasión pacificada, surrealismo católico. La cruz, que antes se elevaba en el espacio, parece estar profundamente inmersa en la tierra.

Cristo se eleva justo por encima del muro bajo. Los extremos del taparrabos se dirigen hacia abajo.

En la imagen hay una calma completa. El sudario rojo cuelga de la pared desnuda y húmeda del jardín cartujo y da a la escena de la crucifixión la grandeza ritual. El ángulo del manto descolorido de María se convierte en un vínculo emocional y formal con otra solapa, que representa a la Virgen Santísima, una figura sin peso fantasmal, un símbolo de la eternidad en el fondo de la silueta de Juan. Su postura es un resultado obtenido artificialmente de las etapas sucesivas de la “purificación” de este tema que abunda en metáforas. Las sotanas de John se iluminan a propósito, pero en ellas aún se pueden distinguir las huellas de un color rojo brillante que alguna vez se desvaneció.

Los pliegues elásticos indican un movimiento previo agudo. Así, las figuras se convierten en ilustraciones visuales de su propia historia.

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